nga italishtja afresk – i freskët, i papërpunuar), lloj pikture monumentale. Bojërat aplikohen direkt në sipërfaqen e murit, tavanit, kasafortës. Zona e zënë nga afresku dhe përbërja e tij varen nga format arkitekturore të ndërtesës. Zakonisht ambientet e brendshme janë të zbukuruara me afreske; në fasadat e ndërtesave, ku mund të ekspozohen ndaj efekteve të dëmshme të lagështisë, vendosen shumë më rrallë. Fresku përfshin disa teknika: lyerja me bojëra uji si në suva të lagur (al fresco) ashtu edhe në suva të thatë (a secco); lyerje me ngjyra lime-kazeinë dhe tempera.
Fresku është një nga teknikat më të lashta të pikturës. Kryeveprat e saj të vërteta janë pikturat e varreve të lashta egjiptiane në Medum, Beni-Hasan dhe Tebës, pallati Knossos në ishullin e Kretës (mijëvjeçari II para Krishtit), pikturat e shtëpive në Pompei (shek. 2 p.e.s. - shekulli 1. n. e.). Në artin e hershëm të krishterë (pikturat murale të katakombeve), në mesjetë, afresket u bënë një nga llojet kryesore të pikturës. Pikturat e afreskut u përdorën gjerësisht për të dekoruar tempuj (në një masë më të vogël, ndërtesa laike) si në Evropën Lindore ashtu edhe në atë Perëndimore. Vendosja e tyre në muret, qemeret dhe shtyllat mbështetëse të tempullit ndoqi një model të qartë dhe lidhej me simbolikën e tempullit. Të famshme botërore janë afresket bizantine të Nerezit (Kisha e Shën Panteleimonit, 1164, Greqi), Mileshev (Serbi, rreth 1245), pikturat e Theophanes Grekut në Kishën e Shndërrimit në Novgorod (1378), Andrei Rublev në Katedralja e Supozimit në Vladimir (1408), Dionisi në katedralen e Manastirit Ferapontov (1502–03) në rajonin e Vologdës, piktura të shekullit të 17-të. në kishat e Yaroslavl. Në Evropën Perëndimore, piktura e afreskut po lulëzon në artin roman (pikturat në kishat e Santa Maria dhe San Clemente në Taul, San Isidro në Leon, Spanjë; Berze-la-Ville, Francë; të gjitha - shekulli i 12-të). Gjatë epokës gotike, afresket u krijuan gjithashtu me tema laike (pikturat e Pallatit Papnor në Avignon, Francë, shekulli i 14-të).
Gjatë Rilindjes, ishte në afresk që u bënë zbulime novatore [pikturat e Giotto-s në kapelën Scrovegni (del Arena), Padova, shekulli i 14-të]. Afresket mbi tema laike dhe mitologjike po krijohen gjithnjë e më shumë (piktura nga vëllezërit P. dhe A. Lorenzetti në Palazzo Publico në Siena, 1337–39; A. Mantegna në "Camera degli Sposi" në Kalanë e San Giorgio, 1474 Raphael në pallatin e Vatikanit, 1509–14 G.B. Arritjet më të larta lidhen gjithashtu me artin e kishës (piktura nga Piero della Francesca në Kishën e San Francesco në Arezzo, 1452–66; Michelangelo në Kapelën Sistine në Vatikan, 1508–41; “Darka e Fundit” nga Leonardo da Vinci në manastirin e Santa Maria delle Grazie në Milano, 1495–98). Në epokën barok, vëmendje e veçantë iu kushtua pikturave të abazhurëve, ku, me ndihmën e teknikave iluzioniste dhe këndeve të forta, u krijua efekti i një përparimi lart, hapja e qiejve dhe ngritja e shpejtë e figurave të shenjtorëve. Afresket e shekullit të 18-të janë kryesisht dekorative në natyrë (G.B. Tiepolo). Në epokën e klasicizmit, imitimi i motiveve të pikturave të Pompeit të lashtë u bë modë. Afresku fitoi popullaritet të ri në epokën e Art Nouveau.
Fresko - ("fresk" - i freskët) - një teknikë e pikturës monumentale me bojëra uji në suva të lagur e të freskët. Abetarja dhe substanca fiksuese (lidhëse) janë një e tërë (gëlqere), kështu që bojërat nuk shkërmoqen.
“Poetesha” apo “Safo”. Fragment i një afresku nga Pompei. shekulli I pas Krishtit
Teknika e afreskut është e njohur që nga kohërat e lashta. Megjithatë, sipërfaqja e afreskut antik ishte lëmuar me dyllë të nxehtë (përzierje e afreskut me pikturë me bojëra dylli - encaustike). Vështirësia kryesore e pikturës së afreskut është se artisti duhet të fillojë dhe të përfundojë punën në të njëjtën ditë, para se të thahet gëlqerja e lagur. Nëse korrigjimet janë të nevojshme, duhet të prisni pjesën përkatëse të shtresës së gëlqeres dhe të aplikoni një të re. Teknika e afreskut kërkon një dorë të sigurt, punë të shpejtë dhe një ide plotësisht të qartë të të gjithë përbërjes në secilën pjesë.
Shumica e monumenteve antike të pikturës monumentale u ekzekutuan duke përdorur teknikën e afreskut: piktura murale në Pompei, në katakombet e krishtera, romane, bizantine dhe artin e vjetër rus.
Edhe në kohët e lashta, dritaret dhe muret filluan të kishin një rol vendimtar në brendësi. Banorët e vilave antike i mbuluan bujarisht me mozaikë apo piktura. I ashtuquajturi stili pompeian i pikturës së afreskut është i njohur gjerësisht. Brendësia mesjetare ruan të njëjtin trend - luksin e dekorimit të mureve dhe dyshemesë. Traditat u përcollën gjatë shekujve dhe gjatë Rilindjes, dekorimi i ambienteve të brendshme me pikturë afreske u bë shumë në modë. Për apartamentet e epokës së re, cilësia e bukurisë, pasurisë dhe shkëlqimit u bë e rëndësishme.
Mjafton të kujtojmë dhomën e famshme të gjumit Camero degli Sposi në pallatin e Dukës së Mantovës, Louis Gonzaga. Dekorimi kryesor i kësaj dhome është një cikël afreske nga artisti i madh i Rilindjes së hershme Andrea Mantegna, kushtuar skenave nga jeta e pronarit të pallatit, sundimtarit të Mantovës. 
A. Mantegna. Pikturë e tavanit të "Camera degli Sposi" në Kalanë e San Giorgio. 1474 Mantua. Fragment
Dekorimi me afreske i murit mori një kuptim shumë të veçantë në ambientet e brendshme të pallazeve të Rilindjes. Shkëlqimi i ambienteve u arrit jo përmes mobiljeve të pasura, por përmes dekorimit dekorativ të mureve, tavanit dhe dyshemesë. Pikturimi me afresk në një ambient modern, privat apo publik, si pikturë dekorative në mur apo si pikturë e shtrenjtë në mur, është sërish shumë e rëndësishme, popullore dhe prestigjioze.
Sekreti i hijeshisë së mahnitshme të afreskeve antike nuk mund të zbulohet. Por ju mund t'i lejoni vetes gëzimin e zotërimit dhe të soditjes së artit të madh të së kaluarës, të largët dhe të afërt.
Në fakt, vetë afresku, i quajtur afresk italian ose "afresk i pastër" ("fresko buon"), u përmend për herë të parë vetëm në traktatin e Cennino Cennini (1437). "Afresku italian" është i afërt me afreskun e lashtë dhe gjithashtu i ngjan përshkrimit të kësaj teknike të dhënë në "Librin e Malit Athos" bizantin, botuar shumë më vonë - vetëm në shekullin e 18-të.
Cennini bën dallimin midis vetë afreskut (pikturë me pigmente të tretura në ujë në suva të lagur) dhe teknikës "a secco", e përmendur edhe në traktate të tjera (për shembull, në traktatin e murgut Theophilus). Teknika a secco është lyerja në suva të thatë me bojëra që përdorin lidhës të ndryshëm (vezë - në lyerje tempera; vaj; ngjitës; ujë gëlqere). Piktori përdor teknikën “a secco” për retushimin përfundimtar dhe për disa ngjyra, si bluja.
Ekziston edhe një teknikë e quajtur "afresk mezzo", e cila konsiston në aplikimin e një shtrese bojë në një bazë ende të lagur ose të saponjomur në mënyrë që kjo shtresë të mos depërtojë thellë në bazë. Teknika afresko-secco nënkupton lyerjen me ujë gëlqereje mbi një llaç gëlqereje të lagur me gëlqere të shuar me shtimin e rërës së lumit; Numri i ngjyrave mund të rritet duke shtuar kazeinë.
Lyerja me ngjitës ose kazeinë është shumë afër teknikës a secco; E përdorur në antikitet, gjendet edhe në mesjetë. Bie në sy teknika antike “stuco-lustro” e përdorur për të përshkruar kolonat e mermerit. Ai përdor pluhur mermeri të përzier me gëlqere, një teknikë që të kujton afresk. Teknika e afreskut ishte veçanërisht e popullarizuar në Itali në shekujt 12-15. në pamje të parë mund të duket si një pamje modeste e një mozaiku.
Megjithatë, kjo nuk është kështu; Pas përfundimit të afreskut, sipërfaqja e tij lëmohet me kujdes; ndonjëherë në të aplikohet një zgjidhje sapuni që përmban dyll dhe lëmohet. Mjeshtrit romakë dhe bizantinë e mbuluan afreskun me një shtresë llak ose dylli, gjë që i dha asaj një shkëlqim më të madh (Kësaj teknike iu drejtua edhe Giotto). Numri i shtresave të suvasë shpesh kalonte tre dhe madje arrinte shtatë.
Piktura e afreskut ruan ngjyrën e saj origjinale për një kohë të gjatë. Nëse muri është i përgatitur mirë dhe i pastruar nga papastërtitë, atëherë bojërat mund të shkatërrohen vetëm nën ndikimin e lagështisë dhe substancave kimike të pezulluara në ajër.
Teknika e afreskut është shumë e vështirë, kështu që shumë artistë preferojnë teknika të tjera të pikturimit të mureve, veçanërisht kur artistët e afreskeve janë të rrëmbyer nga format karakteristike të pikturës me vaj, gjë që lejon korrigjime dhe regjistrime të shumta.
Në të vërtetë, një artist, duke punuar në suva të lagur, as nuk mund të bëjë ndryshime në projektin origjinal dhe as të gjykojë me saktësi tonet shumëngjyrëshe sepse - si në shekullin e 16-të. shkroi Vasari - "Ndërsa muri është i lagur, boja tregon se gjëja nuk është e njëjtë me atë që do të jetë kur muri të thahet." Ngjyra e bojrave ndryshon kur muri thahet dhe shkëlqimi i tyre rritet. Prandaj, tashmë në fillim të punës është e nevojshme të keni një gamë të "toneve të thata".
Krahasuar me teknikat e tjera të lyerjes së mureve, ekzekutimi i një afresku kërkon mjaft kohë dhe ndahet në ditë (një artist mund të pikturojë 3-4 metra katrorë në ditë); Në shumë afreske janë të dukshme "qepjet e ditës".
Afresku përbën një epokë të tërë në zhvillimin e pikturës.
Fresku është një teknikë e lyerjes së murit me bojë uji që aplikohet në suva të lagur në ato dhjetëra minuta të shkurtra, ndërkohë që tretësira ende nuk është “ngurtësuar” dhe thith lirshëm bojën. Monumentalistët e quajnë një zgjidhje të tillë "të pjekur". Duhet të lyeni lehtësisht dhe lirshëm mbi të, dhe më e rëndësishmja, sapo goditja e furçës humbet butësinë dhe fillon të "thërret", bojëja pushon së përthithuri dhe lyhet, sikur "kripos" murin. ju duhet të përfundoni punën.
Gjithsesi, bojërat nuk do të ngjiten më, kështu që afresku është një nga llojet më intensive të pikturës, që kërkon përpjekjen dhe përqendrimin më të madh krijues, por gjithashtu jep orë gëzimi të pakrahasueshëm. Kur thahet, në suva formohet një film i hollë transparent, i cili rregullon bojërat, falë të cilave afresku është kaq i qëndrueshëm. Vërtetë, kur thahet plotësisht, shkëlqimi i ngjyrës zbehet disi. Fresku është një nga teknikat kryesore të pikturës së mureve, prandaj është i lidhur ngushtë me arkitekturën.
Piktura madhështore nga Giotto, Michelangelo, Raphael, Rublev, Dionysius dhe mjeshtra të tjerë të famshëm kanë mbijetuar deri më sot. Fatkeqësisht, shumë afreske u humbën. Midis tyre janë vepra të Leonardo da Vinçit (1452 - 1519). Një artist dhe eksperimentues i shkëlqyer, ai vazhdimisht përpiqej të përmirësonte teknikën e tij të pikturës. Sidoqoftë, përpjekja e tij për të pikturuar me bojëra vaji në terrenin e afreskeve ishte e pasuksesshme: afresku "" në tryezën e manastirit të Milanos të Santa Maria delle Grazie filloi të shkërmoqet menjëherë pas krijimit të tij. Shkatërrimi i krijimit të madh të Leonardos u përfundua nga restaurimet e paaftë dhe ushtarët e Napoleonit, të cilët ngritën një stallë në tryezë.
Giotto di Bondone. "Vajtimi i Krishtit". Afresk. 1304–06 Kapela del Arena (Scrovegni). Padova
Andrey Rublev. Koka e Engjëllit. Fragment i afreskut "Gjykimi i Fundit". 1408.
Madhështia e afreskeve mund të gjykohet nga veprat e Mikelanxhelos. Kohët e fundit, restaurimi i afreskeve kolosale të Michelangelo "Krijimi i botës" dhe "Gjykimi i Fundit" u krye në kapelën personale të papëve romakë - Kapelën Sistine. Gjendja e mureve të kapelës u kontrollua duke përdorur pajisjet elektronike më moderne dhe u përdorën metodat fizike dhe kimike më të avancuara për të analizuar përbërjen kimike të bojrave të përdorura nga artisti. Restauruesit pastruan sipërfaqen e shtresës së bojës me një përbërje të veçantë dhe aplikuan një shtresë llak akrilik në sipërfaqen e mbrojtur.
Rafael Santi. Shkolla e Athinës
Michelangelo Buonarotti. Krijimi i Adamit
Michelangelo Buonarotti. Krijimi i Evës
Michelangelo Buonarotti. Gjykimi i Fundit.
Nga shekujt e parë pas Krishtit. e. murale afër afreskeve u krijuan midis popujve të Lindjes (në Indi, Azinë Qendrore, etj.). Mjeshtrat e lashtë përfunduan afreskun e thatë duke përdorur tempera. Kjo teknikë ishte tipike edhe për afresket mesjetare, të cilat u zhvilluan në artin e shumë vendeve evropiane. Arti i afreskut përjetoi një lulëzim të ri në punën e mjeshtërve italianë të Rilindjes (Giotto, Masaccio, Piero della Francesca, Raphael, Michelangelo, etj.).
Që nga shekulli i 16-të, afresku "i pastër" pa përdorimin e temperës është përhapur në Itali. Traditat e afreskut jetuan më vonë në pikturat dekorative të shekujve 17-18. Në shekullin e 19-të, artistë individualë (përfaqësues të stilit Art Nouveau, etj.) iu drejtuan afreskeve. Në teknikën e afreskut punuan shumë artistë përparimtarë të shekullit të 20-të (A. Borgonzoni në Itali, D. Rivera në Meksikë etj.).
Teksti i përdorur http://www.historicus.ru/211/
Çfarë është një afresk? Përkthyer nga italishtja, fjala afresk do të thotë "i freskët", "jo i tharë". Në fakt, ky koncept lidhet me artin unik të pikturës së mureve të tempullit, teknika e veçantë e së cilës kërkon aftësinë më të lartë. Teknika "Afresk në mur" është pikturimi në suva të papërpunuar afreske. Është e kundërta e asecco-s, duke lyer në një sipërfaqe të thatë. Kur suva e lyer me afreske thahet, formohet një shtresë e hollë e bazuar në kalcium gëlqeror, e cila shërben si një mbrojtje natyrore për dizajnin. Kështu, imazhi bëhet fjalë për fjalë i përjetshëm.
Shumëllojshmëri mënyrash
Sot, metoda "afresk i murit" përdoret për të krijuar imazhe të një natyre të shenjtë brenda kishës, pavarësisht teknikës apo materialit me të cilin punon artisti. Ka disa metoda që mjeshtri i përmbahet në punën e tij. “Afresku në tavan” është më i vështiri, ai mund të pikturohet vetëm shtrirë.
Ka teknologji kur piktura dytësore shtesë bëhet në një afresk të përfunduar, të tharë me ngjyra tempera, vaj ose akrilike. Teknika më e zakonshme e pikturimit të afreskut është e ashtuquajtura afresk buon, që do të thotë "afresk i pastër". Përmendja e parë e kësaj metode përmban një traktat të piktorit italian Cennino Cennini, i cili jetoi në shekullin e 15-të.
Historia e pikturave në mur
Nuk dihet kur u shfaqën afresket e para, mund të supozohet vetëm se në epokën e kulturës së Egjeut, në mijëvjeçarin e dytë para Krishtit, imazhe të ngjashme ekzistonin tashmë me bollëk. Bojrat u aplikuan në një bazë primitive që të kujton ngjitësin e kazeinës, dhe teknika e vizatimit kundërshton çdo klasifikim, është e qartë vetëm se ishte më afër "asekko". Piktura afreske lulëzoi në periudhën antike. Më vonë, krishterimi e adoptoi këtë art, pasi ishin afresket e katedrales ose kishës që pasqyronin më plotësisht skenat biblike.
Materiale
Çfarë është një afresk nga këndvështrimi i vetë artistit? Kjo është, para së gjithash, një punë delikate, bizhuteri e furçës. Afresket e kishës dallohen nga përpunimi i detajeve më të vogla. Një artist mund të pikturojë një temë për javë të tëra, ndonjëherë duket se vepra qëndron ende, aq e përpiktë është puna e piktorit. Por kur afresku përfundon, është e pamundur t'i heqësh sytë.
Në kohët e lashta, pikturimi i përzier i mureve ishte në përdorim në Rusi, materiali kryesor ishte bojërat me bazë uji, të cilat aplikoheshin në suva të lagësht dhe më pas plotësoheshin me tempera mbi ngjitësin e kafshëve ose vezëve.
Në Evropë, njerëzit filluan të kuptojnë se çfarë ishte afresku me fillimin e Rilindjes. Ishin muret e kishës që u bënë masa kryesore e aftësisë së artistit. Arti i pikturës së afreskeve arriti lulëzimin e tij më të madh në Itali gjatë Rilindjes. Mjeshtra të mëdhenj si Mikelanxhelo dhe Rafaeli punuan në këtë fushë.
Afreske antike
Traktatet e Vitruvit përshkruajnë teknologjinë e suvatimit të mureve të brendshme, mbi të cilat u aplikuan më vonë pikturat e afreskut. Këto ishin përzierje me bazë gëlqereje, të aplikuara në shtatë shtresa dhe të lëmuara në një shkëlqim. Në dy shtresat e para u shtua rëra, tre të tjerave iu shtua kompoziti argjile dhe dy të sipërme u shtuan copa mermeri. Për të shmangur çarjet, suva u hollua pak me ujë dhe të gjitha shtresat u ngjeshën.
Për forcë, përbërësit përforcues, tulla të grimcuar, shtuf, kashtë dhe kërp iu shtuan përzierjes. Aplikimi me shumë shtresa i suvasë kontribuoi në tharjen e ngadaltë, gjë që i dha artistit mundësinë për të pikturuar për një kohë të gjatë. Më pas, pas përfundimit të punës, u rekomandua mbulimi i afreskeve me një përzierje vaji ulliri dhe dylli blete.
Afresket bizantine
Procesi më intensiv i pikturës është përshkruar në "Erminia Dionysius" në shekullin e 17-të. Afresket në Bizant dalloheshin nga shumëllojshmëria dhe madhësia e tyre. Suvaja u tha para se të kryhej puna. Numri i shtresave u zvogëlua gradualisht, dhe përfundimisht u përdorën vetëm dy shtresa në vend të shtatë. Në vend të pluhurit të mermerit, filluan të futeshin liri dhe tërheqja, të cilat ruanin mirë lagështinë. Plasaritjet u eliminuan duke shtuar gëlqere. Piktura më e hershme e afreskut bizantin është në kishën e Shën Marisë në Romë. Sipërfaqja e vizatimeve ishte e lëmuar, dhe më vonë artistët bizantinë e braktisën këtë proces intensiv të punës.
Afresket e vjetra ruse
Piktura e hershme e afreskeve ruse është bërë në mënyrën bizantine. Suva e lagur është përdorur për katër ditë. Artistët e përdorën këtë herë për të pikturuar murale në të gjithë zonën. Megjithatë, vetëm në katër ditë, abetarja për afreske, gesso, fitoi veti të padëshirueshme dhe kur u aplikuan bojëra, i prishi ato në mënyrë të pakthyeshme për shkak të reagimit me mbushës terpentinë.
Koha e pikturës duhej të reduktohej ndjeshëm. Në udhëzimet e peshkopit Nektary, rekomandohet që të mos lini geso "pa shkruar" për dy orë dhe të mos bëni pushime për drekë. E megjithatë, përfundimi i punës shpesh përkonte me tharjen e plotë të bazës. Goditjet e fundit u bënë me tempera veze dhe tashmë në shekullin e 18 afresket filluan të pikturoheshin me bojë vaji. Është karakteristike se afresket e Rublevit, një piktor i famshëm ikonash, si dhe Teofan Greku, bashkëkohësi i tij, janë pikturuar vetëm me ngjyra tempera.
Afreske me origjinë italiane
Çfarë është një afresk "buon"? Fjalë për fjalë do të thotë "i pastër". Me fjalë të tjera, ky është një aplikim shumështresor i shtresave të bojës me tharje të ndërmjetme. Kjo teknikë është e favorshme për sa i përket shpejtësisë, por humbet në nuancat e zgjidhjeve me ngjyra.
Pas ca kohësh, pikturimi i afreskut u bë graduale. Punimet e thara lyheshin me bojëra tempera “të thata” dhe kjo teknikë ishte plotësisht e justifikuar, pasi artistët patën mundësinë të ndanin punën e tyre në segmente të veçanta dhe të përfundonin ngadalë punën, duke e ditur se faktori i tharjes së shpejtë të suvasë nuk kishte më rëndësi.
Teknika "e pastër".
Duke përdorur metodën "buon", u zhvillua një sistem i tërë, një lloj udhëzuesi, sipas të cilit artisti arriti rezultatin optimal. I gjithë afresku, nëse përmasat e tij ishin të paktën dy metra katrorë, ndahej në seksione të veçanta, normat e një dite, të ashtuquajturat jornata. Veç kësaj, puna ishte planifikuar në lartësi në mënyrë që gjatë lyerjes së zonave të sipërme të mos spërkateshin ato të poshtme. Disa afreske u krijuan duke përdorur teknologji të tjera. Që në shekullin e 15-të ekzistonte një afresk i ashtuquajtur mozaik, i cili nuk ishte i pikturuar, por i shtruar me copa të vogla gurësh smalti ose gjysmë të çmuar.
Pas përfundimit të pikturës, afresku duhet të lustrohet, shpesh me aplikimin e një shtrese dylli. Pikturat e Perugino dhe Giotto ishin gjithmonë të lëmuara në një shkëlqim, gjë që u dha atyre një imazh unik. Tintoretto dhe Tiepolo punuan në të njëjtën mënyrë të pikturës së afreskut.
Le t'i kushtojmë pak vëmendje një çështjeje që lidhet drejtpërdrejt me arkitekturën: pikturës së murit, përkatësisht afreskut.
“Piktura e bërë ekskluzivisht në suva të freskët quhej nga italianët “afresku i bukur”. ("afresk buon"), d.m.th. afresk i vërtetë, - shkruanD. Kiplik në librin “Teknikat e pikturës”, - për ta dalluar nga një metodë tjetër e lyerjes me gëlqere, e quajtur “fresco a secco” ("fresco secco"), në të cilën bojërat shoqërohen edhe me gëlqere në pikturë, por aplikohen në suva gëlqerore, tashmë të tharë, e cila laget vetëm me ujë para fillimit të punës.”
Kjo është terminologjia e lashtë italiane, e cila aktualisht ka vetëm rëndësi historike. Numri i shtresave të suvasë mund të jetë i ndryshëm: dy, tre ose më shumë. Sa më i trashë të jetë suva, aq më gjatë do të jetë "i freskët", domethënë, aq më gjatë ju lejon të shkruani të lagur. Trashësia e të gjitha shtresave të marra së bashku mund të arrijë deri në 4 centimetra. Nëse shtresa e fundit piktoreske e suvasë aplikohet mbi tre shtresa përgatitore, atëherë trashësia e saj duhet të jetë jo më shumë se 3-5 milimetra. Nëse detyra piktoreske reduktohet në zgjidhje planare, atëherë është mjaft e përshtatshme të zbutet shtresa piktoreske, e dukshme në shembujt e pikturës murale bizantine dhe ruse.
Cennino Cennini, i cili përshkroi metodat e pikturimit të afreskeve të shekullit të 13-të, thotë në traktatin e tij se "Çdo pikturë e filluar në afresk duhet të përfundojë në tempera". Nga kjo është e qartë se artistët e kohës së Cenninit nuk e zotëronin ende plotësisht teknikën e afreskut.
Por ata e dinin shumë mirë këtë teknikë në kohët e lashta. Sipas Vitruvius(shek. I p.e.s.), grekët e vjetër aplikuan dy shtresa suvaje për lyerje brenda ndërtesës dhe muret e jashtme të saj i mbuluan me suva shumështresore dhe në të dyja rastet sipërfaqja e tyre ishte e lëmuar, gjë që praktikohej edhe në Egjipt. Shtresat e poshtme ishin prej gëlqereje dhe rëre, shtresat e sipërme ishin prej gëlqereje dhe mermeri të grimcuar.
"Pikturë afreske e romakëve", shkruan D. Kiplik, - ka pak ngjashmëri me afreskun italian të Rilindjes, si në përgatitjen e mureve për pikturë ashtu edhe në aspekte të tjera. Linjat lidhëse midis pjesëve të një pune njëditore në pikturën e Pompeit ose mungojnë plotësisht ose janë shumë pak të dukshme.”
Epo, nëse ato mezi vërehen, do të thotë se janë ende atje. Le ta vërejmë këtë dhe të vazhdojmë.
“Me rënien e Perandorisë Romake dhe kulturës së saj dhe me fillimin e historisë së popujve të rinj, arti i pikturës ringjallet pak nga pak në Bizant. (por ra vetëm Perandoria Romake Perëndimore. Pse piktura "rilind" në Lindje, domethënë në Bizant dhe "pak nga pak"? - Autor)... Devijimi më i rëndësishëm nga rregullat e miratuara nga romakët është ndryshimi i numrit të shtresave të suvasë, që në pikturën bizantine u soll në vetëm dy, dhe mermeri. (më saktë: copëza mermeri. - Autor), e cila përfshihej në llaçin gëlqeror të romakëve, pak nga pak zhduket prej tyre, duke u zëvendësuar në shtresat e poshtme të suvasë me kashtë, në shtresat e sipërme me tërheqje ose fije liri”.
Kjo është bërë në mënyrë që suva të zgjasë më shumë për t'u tharë. Piktura primitive e hershme bizantine e shekujve 11-12 u përfundua në një ditë në të gjithë zonën e pikturës, prandaj afreskut bizantin i mungojnë të ashtuquajturat linja "lidhëse", aq karakteristike për epokën e vonë të italishtes dhe , siç u përmend, piktura e lashtë Pompeiane. Trashësia totale e dy shtresave të suvasë ishte afërsisht një centimetër e gjysmë. Piktura murale e Italisë mesjetare iu nënshtrua stilit bizantin, nga i cili filloi të largohej në shekujt 14-15, duke ndryshuar teknikën e saj.
D. Kiplik vazhdon:
“Kjo epokë, në aspektin teknik, shënohet për të nga një rikthim në traditat e pikturës antike, ngjashmëria me të cilën shprehet në forcën e mahnitshme të shtresave të suvasë dhe pikturës, si dhe në shkëlqimin e lartë që është i natyrshëm. në muret italiane të kësaj kohe... Deri në shekullin e 16-të, piktura murale mesjetare italiane bëhej me një sipërfaqe të shndritshme. Të tilla janë veprat e Giotto-s dhe studentëve të tij, dhe të tilla janë veprat e shumë artistëve të tjerë që pikturuan në mure në atë epokë: Linno Memmi, Pietro Lorenzetti, Angolo Gaddi, Ghirlandaio, Fra Angelico, Masaccio, Filippo Lippi, Andrea Mantegna dhe , më në fund, Perugino.”
Meqenëse cilësia e pikturës është rritur shumë herë në krahasim me epokën e mëparshme bizantine të para-Rilindjes, artistët nuk kanë më kohë për të përfunduar të gjithë zonën e pikturës brenda një dite. Prandaj, suva aplikohej në pjesë çdo ditë, duke rezultuar në "linja lidhëse". Për forcë, patate të skuqura mermeri u përdorën përsëri në vend të rërës. ruse Peshkopi Nektari raporton këtë metodë si kjo:
“Duhet të kujdeseni për atë që të mund të shkruani mbi të kur është i lagësht, në mënyrë që ngjyrat të futen në gjesho dhe të jetë e fortë. Dhe vendos geso në mur, sa të shkruash para drekës; dhe mjeshtrit do të shkonin në darkë, dhe gesso në mur nuk do të mbetet pa një letër; Po kështu, deri në mbrëmje ai nuk mbeti aspak pa një letër. Po, do të jetë e fortë dhe përgjithmonë.”
Pikërisht kështu pikturuan afresket Raphaeli, Michelangelo dhe artistë të tjerë të Rilindjes së Lartë. Pikturimi i afreskut me tempera ishte i padëshirueshëm.
Në shekullin e 16-të Palomino fillon të përdorë sipërfaqe të përafërt mat. Artisti Pozzo(1642-1700) në traktatin e tij mbi afreskun tashmë flet për nevojën e kokrrizimit të sipërfaqes së suvasë së freskët përpara se të fillojë pikturimi i afreskut. Klientët filluan të pëlqenin pikturën mat. Një pikturë e tillë, e cila, nga rruga, ishte shumë e butë dhe për këtë arsye i nënshtrohej lehtësisht dëmtimit mekanik, ishte e panjohur për antikitetin, dhe asnjë artist i vetëm me të vërtetë "i lashtë" nuk jetoi për të parë gjysmën e dytë të shekullit të 17-të. Artist M. Kurilko Kështu e përshkruan ai procesin e pikturimit të një afresku:
“Pas ndërtimit të skelës, në mur aplikohet një sprej, pra hidhet llaçi i përgatitur pa fërkim. Kur ngurtësohet dhe ngurtësohet, një shtresë e re me trashësi 7–8 mm në sipërfaqe aplikohet pjesë-pjesë për një kohë të mjaftueshme për të pikturuar afreskun ndërkohë që ai pranon bojë. Kjo pjesë rrafshohet dhe fërkohet me kujdes... Në Rilindje, kartoni vendosej në suva të freskët dhe shtypej letra përgjatë konturit. Gjurmët e skicës së dhëmbëzuar janë qartë të dukshme në tavanin e Kapelës Sistine. Në kohën time nuk e bënin këtë, sepse presimi i kujdesshëm kërkon shumë kohë të çmuar... Duke qenë se afresku është pikturuar pjesë-pjesë dhe pjesa e pashkruar e suvasë është hedhur nga muri, atëherë ekzekutimi kryhet në pjesë. : trupi i zhveshur në një hap, draperia në një tjetër... Në ndryshim nga piktura me vaj, piktura e poshtme nuk lejohej të thahej, por, përkundrazi, figura u mbulua plotësisht me një "ngjyrë mishi" sa më shpejt që të ishte e mundur. me një furçë të butë... Pasi mbuloi të gjithë figurën, artisti vazhdoi punën dhe i mbuloi me bojë zonat e ndriçuara shumë herë derisa suvaja pranoi bojën. Fillimisht u hollua boja me ujë, më pas me ujë gëlqere dhe në fund me qumësht gëlqere... Për draperitë blu dhe jeshile nënpikturat bëhen me bojë të zezë, për ato të kuqe me mumje. Më pas ato mbulohen me bojëra blu, jeshile ose të kuqe të holluara në ujë, ose lyhen rastësisht në qumësht gëlqereje”.
Lind pyetja: si dukej afresku antik? Kritikët e artit nuk kanë ide krejtësisht të sakta për këtë.
Yu. Kolpinsky shkruan në librin “Arti i botës së Egjeut dhe Greqisë së lashtë”:
“Piktura monumentale greke, sipas autorëve antikë (!) , shfaqet në shek. para Krishtit e. Korinti dhe Sikioni konsideroheshin qendrat kryesore të tij. Ka informacione se mjeshtrit korintas Kleanthes dhe Arigoni pikturuan celulën e tempullit në Olimpia... Disa monumente tregojnë se piktura arkaike karakterizohej nga dekorueshmëria e shtuar dhe interpretimi i ngjyrave lokale. Këto janë metonet e pikturuara të Tempullit të Apollonit në Therma (çereku i tretë i shekullit të VII para Krishtit) Sheshësia e zgjidhjes dhe ekspresiviteti grafik i konturit përcaktojnë ngjashmërinë stilistike të pikturës me veprat e vazografëve... Me një numër të kufizuar ngjyrash, mjeshtri ende përpiqet për një ngjyrë më të madhe se sa në pikturimin e vazove.”
Fragment i pikturës së varrit të Orkos në Tarquinia.
Është absolutisht e vërtetë që këto janë piktura në varret etruske, por për disa arsye ato datohen në një kohë krejtësisht të ndryshme. Kjo mund të shihet nga një krahasim i amforës “Vanthus dhe Cerberus” nga fundi i shekullit të IV para Krishtit. e. Dhe Piktura e varrit të Orkos në Tarquinia (rreth 300 para Krishtit). Megjithatë, autori me sa duket ka parasysh edhe shembuj të pikturës murale më primitive, si p.sh pikturat e varrit të Augurëve shekulli i 6-të para Krishtit e.
“Në gjysmën e dytë të shek. para Krishtit e. U përdorën kryesisht bojëra të verdha, të bardha, të zeza, kafe, të kuqe, blu dhe jeshile, dhe ngjyra gjithmonë ruante karakterin e saj lokal - shkruan Yu. - Nuk është përdorur modelimi i formës me chiaroscuro dhe nuk ka pasur asnjë imazh të peizazhit përreth apo mjedisit të përditshëm.
Nga fundi i shekullit, imazhi çlirohet nga karakteri i tij i sheshtë. Falë modelimit të muskujve me vija të zeza brenda konturit të figurës, format e trupit fillojnë të marrin vëllim më të madh... Këto tipare i afrohen pikturës së vazos me figurë të kuqe që u shfaq rreth të njëjtave vite.”
“Amazon”, detaj i pikturës së një sarkofagu mermeri nga Tarquinia.
Dhe këtu autori nuk e kupton se piktura me vazo është një gjë, dhe piktura monumentale është krejtësisht ndryshe. Dhe megjithëse ai vëren se, "piktori kishte një paletë më të pasur se mjeshtri i pikturës së vazove", megjithatë, ai nuk mund ta imagjinojë se si dukej piktura në fazën tjetër të zhvillimit. Ndërkohë, vetëm shikoni "Amazon", detaj i pikturës së një sarkofagu mermeri nga Tarquinia i shekullit të IV para Krishtit. e., për të kuptuar se si një pikturë e tillë ndryshon nga piktura me vazo me figurë të kuqe. Edhe pa përmendur pasurinë e ngjyrave, modelimi i figurave në kiaroskuro paraqet një fazë cilësore të re në zhvillimin e pikturës në krahasim me pikturat e varrit të Orkos.
Pa e kuptuar këtë, Yu Kolpinsky shkruan për afreskun e epokës klasike në Greqi:
“Ashtu si piktorët e kohëve të mëparshme, Polygnotus kryesisht e kufizoi veten në katër ngjyra: e zezë, e bardhë, e verdhë dhe e kuqe. Vërtetë, është ruajtur informacioni se në një nga veprat e tij ai pikturoi mbi figurën e demonit me një ton në mes të kaltër dhe të zezë, dhe gjithashtu u përpoq të pikturonte trupin e të mbyturit me një ton blu-jeshile. Megjithatë, këto përpjekje modeste për të futur ngjyrat e ndërmjetme me sa duket nuk e shkatërruan lokalitetin e pikturës.
Yu. Kolpinsky nuk është në dijeni se ngjyra e gjelbër përftohet nga përzierja e bojrave të zeza, të verdha dhe të bardha, dhe vjollca - nga bojërat e zeza, të bardha dhe të kuqe. Dhe nëse përzieni rrushin e zi dhe të bardhën, ju merrni blu, jo gri. Prandaj, fjalët për "përpjekje modeste" për të futur ngjyra të tjera janë shumë të çuditshme. Lokaliteti i pikturës u tejkalua në periudhën klasike ("proto-Rilindja" filloi në Etruria-Toscana në këtë kohë). Thjesht, Yu. Kolpinsky lexoi nga një autor "i lashtë" (me sa duket Plini) se artistët e kufizuan veten në katër ngjyra dhe vendosën: E GJITHA piktura e lashtë përbëhej nga katër ngjyra lokale. Por as krateret me figura të kuqe, as lekitos me fytyrë të bardhë, as ndonjë qeramikë tjetër nuk mund të japin një ide për afreskun. Ne shohim piktura nga koha e Polygnotus në Pompei (gjoja një kopje e shekullit të 1 para Krishtit nga origjinalet e shekullit të 4-të).
Mjeshtrit përdorën katër ngjyra vetëm në një fazë të caktuar, më vonë ata futën ngjyra më të ndezura në piktura, por nuk i kushtuan shumë rëndësi kësaj, pasi puna kryesore u bë prej tyre në fazën e nënpikturës.
Polignot, i cili në fakt jetoi, siç mund të supozohet, në fund të shekullit të 13-të (në të njëjtën kohë me Niccolò Pisano), punoi afërsisht në të njëjtën mënyrë si mjeshtrit e shekullit të 14-të. Në fakt, është për ta që Yu Kolpinsky shkruan se ata prezantuan “Modelim i butë me dritë-hije dhe një gamë më e pasur ngjyrash”, duke i besuar gabimisht ata si artistë të shekullit të IV para Krishtit. e.
Stili i artistëve grekë të shekullit të 14-të është i afërt me stilin e Masaccio (1401–1428) dhe mjeshtrave të tjerë të asaj kohe. Yu Kolpinsky shkruan:
"Dëshira për liri më të madhe pikture u mishërua, sipas dëshmisë së të lashtëve, në veprën e Apelles, asnjë nga veprat e të cilit nuk mbijetoi në ndonjë kopje të besueshme."
Pikturë Botticelli "Shpifje"(1430) është një kopje e kompozimit të famshëm të Apelles. Gjëja më e keqe është se pikturat origjinale të Apelles dhe artistëve të tjerë me sa duket u shkatërruan për hir të kronologjisë skaligeriane, pasi mesjeta ishte shumë qartë e dukshme në to. Vepra të tilla letrare trajtoheshin më thjesht - ato u shpallën falsifikime të Eskilit, Sofokliut, Euripidit dhe autorëve të tjerë grekë.
Botticelli. "Shpifje"
Fresku Fresko
(nga afresk italian, fjalë për fjalë - i freskët), një teknikë e lyerjes me bojëra (në ujë të pastër ose gëlqere) në suva të freskët e të lagur, e cila kur thahet, formon një shtresë të hollë transparente karbonat kalciumi, duke fiksuar bojërat dhe duke bërë afreskun. të qëndrueshme; Afresk quhet gjithashtu një vepër e bërë duke përdorur këtë teknikë. Fresku, i cili ju lejon të krijoni kompozime monumentale të lidhura organikisht me arkitekturën, është një nga teknikat kryesore të pikturës së mureve. Abetarja e suvasë për afreske zakonisht aplikohet në disa shtresa dhe përbëhet nga gëlqere e shuar, mbushëse minerale (rërë kuarci, pluhur gëlqeror, tulla të grimcuar ose qeramikë); ndonjëherë në tokë përfshihen aditivë organikë (kashtë, kërp, liri, etj.). Mbushësit mbrojnë suva nga plasaritjet. Për afresket përdoren bojëra që nuk hyjnë në përbërje kimike me gëlqere. Paleta e afreskut është mjaft e përmbajtur; Kryesisht përdoren pigmente tokësore natyrore (okër, kërpudha), si dhe mars, kobalt blu dhe jeshil etj., dhe më rrallë përdoren bojëra me origjinë bakri (lakra e lakrës etj.). Në suva tashmë të tharë duke përdorur ngjitës aplikohen bojëra perimesh (indigo dhe kormorantë), bojë cinnabar, blu dhe nganjëherë të zeza. Afresku ju lejon të përdorni tonet në fuqinë e tyre të plotë, por kur thahen bojërat zbehen shumë. Lustrimi luan një rol të rëndësishëm në afresk, por me një numër të madh shtresash shumëngjyrëshe, ngjyra dobësohet dhe zbehet. Përveç vetë afreskut, pikturimi në suva të thatë (a secco) është i njohur që në lashtësi.
Afresku ishte tashmë i zakonshëm në artin e Egjeut (mijëvjeçari II para Krishtit); Ai arriti një rritje të madhe në kulturën e lashtë artistike, ku u përdorën abetare të lëmuara shumështresore me shtimin e pluhurit të mermerit. Nga shekujt e parë të erës sonë, midis popujve të Lindjes (në Indi, Azinë Qendrore, etj.) u krijuan piktura afër afreskeve. Mjeshtrat e lashtë përfunduan afreskun e thatë duke përdorur tempera. Kjo teknikë ishte karakteristike edhe për afresket mesjetare, të cilat u zhvilluan në artin e Bizantit, Rusisë së Lashtë, Gjeorgjisë, Serbisë, Bullgarisë, Italisë, Francës, Gjermanisë dhe vendeve të tjera evropiane.
Arti i afreskut përjetoi një lulëzim të ri në punën e mjeshtërve italianë të Rilindjes (Giotto, Masaccio, Piero della Francesca, Raphael, Michelangelo, etj.). Nga shekulli i 16-të në Itali, afresk “i pastër” (“fresco buon”) pa përdorimin e përhapjes së temperës; Shtresa e sipërme e dheut (intonaco) në këtë lloj afresku është aplikuar vetëm në zonën që piktori priste të përfundonte para se të thahej. Traditat e afreskut jetuan më vonë në pikturat dekorative të shekujve 17-18. Në shekullin e 19-të Afreskut iu afruan Nazareasit në Gjermani, si dhe përfaqësues të veçantë të "modernizmit" (F. Hodler në Zvicër dhe të tjerë). Shumë artistë përparimtarë të shekullit të 20-të punojnë në teknikën e afreskut. (A. Borgonzoni në Itali, D. Rivera në Meksikë etj.).
Në BRSS, një kontribut të rëndësishëm në popullarizimin e afreskeve dhanë V. A. Favorsky, L. A. Bruni, N. M. Chernyshev dhe të tjerë.
G. Schmid, Teknika e afreskeve antike dhe pikturës encaustike, (përkthim nga gjermanishtja, M.). 1934; P. Baudouin, Teknika e pikturimit me afreske, (përkthim nga frëngjishtja, M.), 1938; N. M. Chernyshev, Arti i afreskeve në Rusinë e lashtë, M., 1954; Filatov V., Për historinë e teknikave të pikturës së mureve në Rusi, në koleksionin: Arti i vjetër rus Kultura artistike e Pskov, M., 1966; V. N. Lazarev, Mozaikët dhe afresket e vjetra ruse të shekujve XI-XVI, M, 1973; V. Lebedeva, Arti monumental Sovjetik i viteve gjashtëdhjetë, M., 1973.
Burimi: "Enciklopedia e Artit Popullor". Ed. Polevoy V.M.; M.: Shtëpia botuese "Enciklopedia Sovjetike", 1986.)afresk (nga afresku italian - i freskët, i papërpunuar), pamje pikturë monumentale . Bojërat aplikohen direkt në sipërfaqen e murit, tavanit,. Zona e zënë nga afresku dhe përbërja e tij varen nga format arkitekturore të ndërtesës. Zakonisht ambientet e brendshme janë të zbukuruara me afreske; në fasadat e ndërtesave, ku mund të ekspozohen ndaj efekteve të dëmshme të lagështisë, vendosen shumë më rrallë. Fresku përfshin disa teknika: lyerja me bojëra uji si në suva të lagur (al fresco) ashtu edhe në suva të thatë (a secco); lyerje me ngjyra lime-kazeinë dhe tempera.
Fresku është një nga teknikat më të lashta të pikturës. Kryeveprat e saj të vërteta janë pikturat e varreve të lashta egjiptiane në Medum, Beni Hasan dhe Thebes, pallati Knossos në ishullin e Kretës (mijëvjeçari II para Krishtit) dhe pikturat e shtëpive në Pompei(shek. 2 p.e.s. – shekulli 1 pas Krishtit). NË arti i hershëm i krishterë(piktura murale të katakombeve), në mesjetë afresku u bë një nga llojet kryesore të pikturës. Pikturat e afreskut u përdorën gjerësisht për të dekoruar tempuj (në një masë më të vogël, ndërtesa laike) si në Evropën Lindore ashtu edhe në atë Perëndimore. Vendosja e tyre në muret, qemeret dhe shtyllat mbështetëse të tempullit ndoqi një model të qartë dhe lidhej me simbolikën e tempullit. Afresket bizantine të Nerezit (Kisha e Shën Panteleimonit, 1164, Greqi), Milesheva (Serbi, rreth 1245), pikturat janë me famë botërore. Feofan greku në Kishën e Shndërrimit në Novgorod (1378), Andrei Rubleva në Katedralen e Supozimit në Vladimir (1408), Dionisi në katedralen e Manastirit Ferapontov (1502-03) në rajonin e Vologdës, piktura nga shekulli i 17-të. në kishat e Yaroslavl. Në Evropën Perëndimore, piktura e afreskut lulëzoi art romanik(piktura në kishat e Santa Maria dhe San Clemente në Taul, San Isidro në Leon, Spanjë; Berze-la-Ville, Francë; të gjitha - shekulli i 12-të). Gjatë epokës gotike, afresket u krijuan gjithashtu me tema laike (pikturat e Pallatit Papnor në Avignon, Francë, shekulli i 14-të).
Në epokë Rilindja Pikërisht në afresk u bënë zbulime novatore [piktura Xhoto në kapelën Scrovegni (del Arena), Padova, shekulli i 14-të]. Afresket me tema laike dhe mitologjike po krijohen gjithnjë e më shumë (piktura nga vëllezërit P. dhe A. Lorenzetti në Palazzo Publico në Siena, 1337-39; A. Mantegna në "Camera degli Sposi" në Kalanë e San Giorgio, 1474; Rafaeli në Pallatin e Vatikanit, 1509-14; G.B. Rosso dhe F. Primaticcio në pallat Fontainebleau, 1530-40). Arritjet më të larta lidhen gjithashtu me artin kishtar (pikturat Piero della Francesca në Kishën e San Franceskos në Arezzo, 1452-66; Mikelanxhelo në Kapelën Sistine në Vatikan, 1508-41; "Darka e fundit" Leonardo da Vinci në manastirin e Santa Maria delle Grazie në Milano, 1495-98). Në epokë barok vëmendje e veçantë iu kushtua pikturave abazhurë, ku me ndihmën e teknikave iluzioniste, të forta kënde u krijua efekti i një përparimi lart, duke hapur qiejt dhe ngritja e shpejtë e figurave të shenjtorëve. Afresket e shekullit të 18-të janë kryesisht dekorative në natyrë (J.B. Tiepolo). Në epokë klasicizmit Imitimi i motiveve nga pikturat e Pompeit të lashtë po bëhet në modë. Afresku fitoi popullaritet të ri në epokë moderne.