Acte I
Dans le prologue, nous voyons un entonnoir de feu formé par l'entrelacement des corps de pécheurs et de démons personnifiant leurs péchés. C’est en vain que les gens tentent de sortir des cercles de l’enfer qu’ils ont eux-mêmes créés par leur propre imprudence. Un seul d'entre eux parvient à s'évader. Il deviendra notre héros principal. Se retrouvant seul au milieu d'un désert glacé, le Héros voit un Ange qui, miséricordieux, lui tend la main et l'emmène avec lui dans un nouveau monde magnifique, où il n'y a pas de place pour la souffrance, où les gens vivent en harmonie avec eux-mêmes et avec l'un l'autre.
Le jeune homme est fasciné par ce monde où règne une parfaite harmonie entre la nature et l’homme. Ici, il rencontre sa bien-aimée. Ils sont heureux ensemble. Mais la nuit arrive, le temps de la tentation. L'obscurité sépare le couple, et dans l'obscurité mystérieuse, l'image mystique de la Tentatrice apparaît devant le Héros. Incapable de résister à la tentation, le Jeune Homme se précipite après elle, mais elle se dissout constamment dans l'obscurité, séduisante et insaisissable. La jeune fille cherche son amant, mais en vain. Elle pressentit des ennuis.
Le soleil se lève. Les gens, unis par paires, glorifient l'amour et la joie de vivre. La jeune fille retrouve son amant et l'appelle dans le cercle commun. Mais il est distant, la belle image de la Tentatrice ne quitte pas sa tête. Et, apercevant à peine son fantôme au loin, le Héros se précipite après elle, quittant le Paradis nouvellement trouvé.
Acte II
La ville du péché. Mi-humains, mi-animaux sont embourbés dans les plaisirs. La Démon Tentatrice dirige le spectacle avec sa suite. Le Jeune Homme apparaît. Il est plein de passion et de désir. Prêt à tout pour l'intimité avec la Démone, le Jeune Homme tombe à ses pieds. La tentatrice lui donne un baiser passionné.
La suite appelle à glorifier la Jeunesse en tant que roi. La cérémonie du couronnement a lieu, qui est de nature clownesque et moqueuse, mais le Jeune Homme prend tout au pied de la lettre. La démone est sa reine. Un jeune homme ivre dans son étreinte passionnée. Peu à peu, le couronnement clownesque se transforme en sabbat, en orgie. La démone, entourée d'une foule brutale, quitte le Héros.
Au Jeune Homme tourmenté et respirant à peine, apparaît au loin l'image d'un Ange, puis l'image de sa bien-aimée, qui l'éveille à la vie, à la conscience de la perte...
Dans le Paradis terrestre perdu, il est accueilli par le froid, l'inaccessibilité de son Bien-Aimé et le rejet des gens qui l'expulsent, ne voulant pas voir de pécheur. Mais un cœur aimant est incapable de supporter les souffrances du Jeune Homme. La fille lui pardonne et les proches sont réunis. En célébrant, les gens glorifient l’amour et l’harmonie.
Le soleil se couche. Le « mur de feu » des démons serre les gens et forme un cercle. Les gens souffrent en tentant de s'échapper de cet espace, mais en vain. Un ange se tient les mains tendues pour aider les gens...
Carmina Burana se traduit littéralement par « Chansons de Boyern ». C'est-à-dire de Benediktbeuern. C'est le nom du monastère de Bavière où ce manuscrit a été retrouvé en 1803.
L'histoire de la découverte du manuscrit Carmina Burana
Le monastère lui-même est le plus ancien d'Allemagne, sa fondation remonte à 725. Benediktbeuern est actuellement inactif. Depuis que les activités de l’Ordre Bénédictin ont été abolies en 1803. Cette année (apparemment lors du démantèlement de la propriété) le manuscrit de Carmina Burana a été retrouvé.
L'histoire du manuscrit remonte au XIIe siècle. Carmina Burana est un recueil de poèmes de vagantas, nom donné aux poètes errants médiévaux – étudiants et moines. Au XIIe siècle, tous les étudiants, moines et scientifiques communiquaient entre eux en latin, et la plupart des textes de Carmina Burana y étaient écrits. Il existe également des textes rédigés en moyen haut allemand, en vieux français ou en provençal.
Toutes les chansons de la collection peuvent être divisées en plusieurs groupes : sur la moralité et le ridicule, sur l'amour, les chansons à boire, les représentations théâtrales. Certains chants sont consacrés à la critique des vices de l'Église (simonie, escroquerie, etc.)
Musique basée sur un manuscrit médiéval
Bien que les neumas (notes médiévales) qui apparaissent dans les textes ne puissent pas être déchiffrées, les textes eux-mêmes inspirent les compositeurs depuis de nombreuses années à écrire de la musique.
L’œuvre la plus célèbre est bien entendu Carmina Burana de Carl Orff.
Carl Orff est un compositeur munichois. Il a vécu de 1895 à 1982. En 1936, il met en musique 24 poèmes d’un recueil médiéval. Sa partie la plus remarquable est "Fortuna, Imperatrix Mundi (O Fortuna)".
Une autre œuvre basée sur des textes de Carmina Burana est l'album Cantus Buranus. Il est sorti en 2005 par le groupe allemand Corvus Corax. Basé sur le texte du manuscrit original de Carmina Burana.
L’une des chansons les plus célèbres de la collection Carmina Burana est « À Taberna» ( Dans la taverne). Ce p La chanson parle de gens qui s'amusent dans une taverne. Le récit est raconté au nom du narrateur et se compose de plusieurs sections : une introduction, puis un jeu de dés et les perdants est décrit, puis quatorze toasts sont portés, notamment aux prisonniers, aux chrétiens, aux prostituées, aux voleurs de forêts et au pape. Vient ensuite une liste de 26 classes, professions, âges et caractères différents de personnes que l'on peut rencontrer dans la taverne. La conclusion parle du déclin et de la misère des ivrognes. Il est intéressant de noter que la conclusion est exactement à l’opposé de la moralité. C'est pourquoi ils seront comptés parmi les justes. http://ru.wikipedia.org/wiki/In_taberna
Cette chanson a été mise en musique à plusieurs reprises.
La fascination pour le recueil de poèmes médiévaux ne nous a pas non plus échappé. La chanson populaire « Du côté français... » est une traduction libre de la chanson des Vagants « Hospita in Gallia » de la collection Carmina Burana (auteur de la traduction - Lev Ginzburg, musique de David Tukhmanov).
Folklore allemand : Carmina Burana -
Carl Orff "Carmina Burana"
L'une des œuvres classiques les plus controversées du XXe siècle est la cantate symphonique pour chœur, solistes et orchestre « Carmina Burana ». Depuis sa création jusqu'à nos jours, on peut trouver des opinions diamétralement opposées tant sur l'œuvre que sur son auteur. Mais toutes les contradictions correspondent à l’esprit de l’époque : 1937, le nazisme en Allemagne, les racines juives du compositeur… Ce n’est que le destin lui-même, ou la Fortune, qui a ici décidé le sort.
L'histoire de l'apparition de la base de texte
Au moment de la rédaction de l'ouvrage, Carl Orff avait 40 ans et il était plutôt connu comme un enseignant novateur. Lui et sa femme ont récemment ouvert une école où ils enseignaient aux enfants en utilisant leur propre méthode : à travers les mouvements du corps, le rythme et le jeu d'instruments simples, ils essayaient d'« éveiller » la musicalité et le talent naturels de l'enfant.
Et c'est à ce moment-là qu'un recueil de chants trouvé dans l'un des monastères bavarois tomba entre ses mains. Il était daté de l'an 1300 et contenait de nombreux textes écrits par des vagantas, chanteurs et poètes ambulants. Il s'agissait d'un recueil de chants monastiques médiévaux, et à cette époque il avait déjà connu 4 éditions. Le nom « Carmina Burana » a été donné par le premier conservateur et éditeur de la collection, Johann Schmeller, d'après le nom de la zone dans laquelle elle a été trouvée. « La fortune, de manière ludique, m'a glissé entre les mains un catalogue d'antiquités de Würzburg, où j'ai trouvé un titre qui, avec un pouvoir magique, a attiré mon attention : « Carmina Burana - Chansons et poèmes allemands tirés de manuscrits du XIIIe siècle, publiés par Johann Schmeller ».
La collection contenait environ 250 textes de différents auteurs dans différentes langues : en latin familier (d'ailleurs, nous y écrivons encore des ordonnances pharmaceutiques), en vieil allemand et en vieux français. À première vue, à la liste des sujets des opus, il semble absurde de les regrouper dans un livre commun. Bien qu'ils aient été trouvés dans un monastère, il n'y avait là rien de religieux. Au contraire, tous les textes sont très réalistes - sérénades et romances d'amour lyriques, chansons à boire, parodies amusantes. Ceci sera expliqué un peu plus loin dans l’article.
Sur la première page, il y avait une image de la roue de la fortune. L'emblème se compose de plusieurs cercles qui relient les mondes externe, interne et spirituel. Au centre se trouve la figure de la déesse du Destin. Les aiguilles à tricoter sont comme des parallèles. Mais lorsque la roue tourne, la personne représentée sur les bords de l’image se retrouve dans des positions différentes. Cela illustre symboliquement le contenu de l'allégorie : regnabo, regno, regnavi, sum sino regno. Traduction : je régnerai, je règne, j'ai régné, je suis sans royaume. La fortune fait tourner la roue au hasard (elle est parfois dessinée les yeux bandés).
Dans le dictionnaire des symboles, on trouve la lecture : « celui qui est exalté aujourd'hui sera humilié demain », « celui qui arrive en bas aujourd'hui, la fortune s'élèvera vers les hauteurs demain », « Dame Fortune fait tourner la roue plus vite qu'un moulin à vent ». .»
Histoire de la création
Pour la cantate, le compositeur a sélectionné 24 vers (les 25 derniers répètent le premier, complétant ainsi le cycle). Un ami traducteur l'a aidé dans son choix. Le travail commença instantanément, dès le premier jour de 1934, il écrivit le premier refrain « O Fortuna ». De nombreux textes étaient accompagnés de pneumas (notation musicale imparfaite), que Carl Orff ignorait sans même tenter de déchiffrer. Il a immédiatement commencé à écrire sa musique et le texte musical était complètement prêt en 2 semaines. Le reste du temps, avant la première, il était occupé à écrire la musique.
Depuis son enfance, Carl Orff rêvait de son propre théâtre, réalisait ses propres productions, décorations, écrivait des textes pour celles-ci, etc. Créer un one-man show était son rêve. "Carmina Burana" est devenue l'incarnation d'une telle idée. De plus, l'auteur lui-même a exprimé que c'était d'elle que ses œuvres devaient être comptées et que tout ce qui avait été écrit auparavant devait être brûlé. Et en effet, il a simplement détruit de nombreuses créations.
Une cantate scénique est avant tout un spectacle, un mystère, qui mêle paroles, musique, ballet et chant. En plus de l'effet sonore, l'auteur a pensé à la conception originale de la scène - pendant toute l'heure que durait la représentation, une énorme roue tournait sur la scène, ce qui plongeait le public dans l'admiration.
A cette époque, le thème de l'élection de la race aryenne était très populaire dans la société allemande ; des expositions étaient organisées avec des pièces montrant des signes de dégénérescence, de dégradation, etc., puisque les auteurs et les artistes n'étaient pas aryens. De telles expositions ont été visitées par des millions de citoyens. Et le succès de la musique innovante d’Orff dans le sillage de cette étrange fascination pour la « laideur » a suscité de grands doutes.
Musique
La structure compositionnelle de la cantate est très intéressante. Le prologue, le premier morceau - le célèbre refrain « O Fortuna » - sonne si brillant, en 88 mesures sonores, il se développe si rapidement jusqu'à un crescendo qu'il est tout simplement impossible d'augmenter davantage la tension dans la musique ! Il semble que la cantate commence par un point culminant !
Le numéro le plus célèbre de la cantate, le chœur titre, est en fait une adaptation de la complainte d'Aphrodite tirée de l'opéra du compositeur du XVIIe siècle Claudio Monteverdi. À une certaine époque, Carl Orff s'intéressait sérieusement à la musique de Monteverdi et éditait même l'opéra "Orphée", joué dans de nombreux opéras.
Mais la citation « Oh Fortune » est directe. Le langage musical du numéro est intéressant. D'un point de vue mélodique, cette musique peut même être considérée dans une certaine mesure comme primitive - mouvements étroits et laconiques, un cycle fermé court, constamment répété - son ostinato, dans la basse tout au long du numéro il y a un D infatigable, ne changeant que dans force et volume vers la fin. Dans ce numéro, le thème principal est clairement le rythme - persistant, élastique, palpitant.
On peut aussi dire que la mélodie est intonationnellement proche du choral médiéval « Dies Irae ». Mais si l’on se souvient que le texte en latin remonte au Moyen Âge, alors tout devient logique. Bien que le texte « Oh, Fortune » n'ait pas de sens canonique de l'Église, mais se réfère plutôt au latin dit familier (ou vulgaire), sa signification est stricte et dure - la fortune commande aux gens d'une main forte : tandis que l'on est renversé , il en élève déjà un autre à des hauteurs pour que l'instant d'après il soit à nouveau jeté à terre. Personne ne sait jamais ce qui va lui arriver dans la minute qui suit.
Le sens du texte est compréhensible pour les Allemands ou les Français de la même manière que nos contemporains comprennent à l’oreille « Le conte de la campagne d’Igor ». Cependant, son expressivité joue un rôle important dans le développement dramatique du numéro. Depuis le début alarmant et menaçant, avec des consonnes rebondissant clairement sur les dents, de manière légèrement chantante, jusqu'à un son mordant et accusateur dans la seconde moitié.
Un développement dynamique aussi puissant du premier numéro nécessite une suite contrastée. Le deuxième morceau (« Je pleure les blessures infligées par le destin ») est beaucoup plus sec en mélodie et en rythme - sur fond de sons longs et soutenus, une mélodie rappelant Bach (avec syncopes, retards), se développe en tessiture mineure. Ce chœur ouvre la première partie et poursuit le thème de la Fortune, bien qu'ici il y ait déjà un thème du Printemps, une merveilleuse transformation.
Selon l'idée du compositeur, l'incarnation scénique de la cantate aurait dû inclure non seulement un orchestre, les voix du chœur et des chanteurs, mais également des schémas de couleurs. Si le numéro d'ouverture devait être exécuté en présence de noir, alors à partir du numéro suivant, le vert apparaît. Le développement ultérieur de la gamme de couleurs conduira le spectateur au blanc vierge et se terminera par un retour au noir.
Le contraste entre le blanc et le noir n’est ici pas accidentel. Si nous revenons aux paroles, qui semblent au départ être un ensemble légèrement aveugle de chansons disparates et sans rapport, alors une telle alternance deviendra perceptible : la noirceur, symbolisant le péché, la saleté, la souffrance et la rédemption, passe progressivement à la renaissance de la vie. (au printemps), l'épanouissement de l'amour du premier amour timide à un véritable sublime, presque divin, puis se tourne à nouveau du côté du péché, des chants libres apparaissent de la taverne, immersion dans le terrestre, vil, pécheur - jusqu'au noir et des tourments infernaux. La roue a bouclé son tour.
Le cercle symbolique dessine dans ce contexte une allégorie de l’éveil spirituel d’une personne, du chemin de son âme, qui peut à la fois s’élever dans ses aspirations et tomber dans l’abîme. L'harmonie des couleurs de la partie 4 évolue du rose tendre au rouge violet, qui ressemble également à une robe royale.
La musique de la cantate est très pittoresque. Les numéros dédiés à l'amour sont interprétés par des solistes. Tandis que des parodies satiriques et des chants de moines sont interprétés par le chœur, accompagné d'instruments orchestraux amplifiés. Il existe de nombreuses stylisations de chansons folkloriques de tous les jours, et il n’utilise pas de citations exactes, mais la musique « rappellera souvent quelque chose à l’auditeur ».
Numéros connus :
N°1 « Oh Fortuna » - écoutez
N°2 « Fortunae plango vulnera » - écouter
N°5 « Ecce gratum » « Cher printemps désiré » - écouter
Des arrangements et des reprises d'artistes modernes sont également connus :
- Énigme;
- ère;
- Thérion ;
- Orchestre Transsibérien.
"Carmina Burana" au cinéma
Cette musique est très populaire à la télévision et au cinéma modernes. On l’entend dans les émissions de télévision du monde entier, dans les films et séries télévisées, et même dans la publicité. Le plus souvent, bien sûr, ils utilisent « Oh, Fortune ». Il n'est pas possible de dresser une liste complète des projets télévisés dans lesquels des extraits de Carmina Burana peuvent être entendus, juste une petite liste :
- t/s « X-Factor » (2016) ;
- t/s « Comment j'ai rencontré votre mère » (2014 );
- t/s « La bonne épouse » (2014) ;
- c/s « Brooklyn 9 – 9 » (2014) ;
- c/s « Perdants » (2013) ;
- t/s « Les Simpsons » (2009, 2011) ;
- le film « Faire semblant d'être ma femme » (2011) ;
- t/s « Pour que tu puisses danser » (2009-2010) ;
- t/s « Danse avec les stars » (2009) ;
- le film « La Mariée de l'Autre Monde » (2008) ;
- le film « Le meilleur film » (2008) ;
- le film « Magiciens » (2007) ;
- t/s « Amis » (1999) ;
- le film « Le célibataire » (1999) ;
- film « Tueurs nés » (1994).
Premières
Date de première : 8 juin 1937 (Opéra de Francfort). En général, à propos de presque toutes les œuvres classiques, ils écrivent généralement que « la première a été un succès retentissant ». Cependant, on ne peut pas en dire autant de la première de Carmina Burana.
Les critiques, les journalistes et les journalistes ont écrit des critiques contradictoires sur la première, mais une chose est sûre : tout le monde en a parlé ! Les réponses étaient de la nature suivante :
- « la musique n'est pas mauvaise, mais il ne fait aucun doute que toute l'impression a été gâchée par le texte incompréhensible en latin » ;
- « les efforts infructueux de l'auteur ne seront pas couronnés de succès - le Moyen Âge est passé, et tous ces motifs latins et romains n'intéressent plus personne maintenant, nous avons besoin d'une musique qui reflète les besoins modernes de la société » ;
- « un immense acte créatif musical a fait une impression colossale, il indique de nouvelles directions » ;
- « L'impression la plus forte du festival est l'interprétation sensationnelle de la cantate scénique de Carl Orff » ;
- "une composition d'une nouveauté surprenante."
Mais il y a eu une autre critique, non pas écrite, mais orale, qui a joué un rôle clé dans le sort ultérieur de l'œuvre. Il appartenait au fondateur de l'organisation « Union pour la lutte pour la pureté de la culture allemande », M. Rosenberg. Il est également l'auteur de la théorie raciale des nationaux-socialistes. Il a appelé la musique d'Orff (littéralement) « la musique noire bavaroise », faisant allusion à son niveau ignoble.
Ainsi, à la fin de 1937, tout le monde en Allemagne avait entendu parler de Carl Orff, jusqu'alors peu connu. Mais seulement 4 jours après la première, pour des raisons inconnues, la production a été fermée et la cantate a recommencé à être jouée quelques années plus tard.
Plus tard, après la guerre, « Carmina Burana » est entrée au répertoire de nombreux théâtres, ses productions ont connu un énorme succès, car dans une telle œuvre, tout metteur en scène pouvait se montrer. Il y a eu de nombreuses expériences - la scène a été conçue de la manière la plus imprévisible. Mais aujourd'hui, la version principale de la cantate est un concert, ou moins souvent un ballet sans intrigue avec bande sonore.
Faits intéressants:
- en fait, c'était la première musique écrite et jouée dans l'Allemagne nazie, à cette époque de nombreuses personnalités culturelles quittaient le pays, fuyant le fascisme ou pour des raisons éthiques ;
- les parents et ancêtres du compositeur sont des juifs héréditaires, il est surprenant qu'il ait réussi à cacher cela dans cet environnement ;
- peu de temps avant d'écrire Carmina Burana, Carl Orff a reçu une commande pour écrire la musique de la célèbre œuvre de Shakespeare Le Songe d'une nuit d'été, car l'auteur précédent (Felix Mendelssohn-Bartholdy) a été interdit en raison de son origine non aryenne ;
- le consentement à ce contrat a valu à Orff la faveur des autorités - diverses primes, soutiens, sursis puis un soulagement complet de la nécessité de servir dans l'armée ;
- En conséquence, il n’y a toujours pas de clarté totale sur la véritable relation de Carl Orff avec le Troisième Reich : s’il était un partisan, un combattant contre le national-socialisme ou s’il soutenait sincèrement ses idées. Selon certaines sources, il aurait lui-même affirmé qu'il était ami avec le musicologue en disgrâce (puis exécuté en 1943) Karl Kuber. Selon d'autres, il entretenait un lien étroit et inextricable avec les autorités.
Et les différends concernant sa position civique ne se sont pas apaisés à ce jour. Vous ne choisissez pas les horaires. Un artiste naît avec un besoin intérieur de créer, de créer. Mais combien petite est une personne qui peut être écrasée à tout moment par la machine d’État ou par l’idéologie de toute une génération.
Le XXe siècle est rempli d’événements similaires. Les compositeurs et écrivains allemands ne sont pas les seuls à avoir quitté leur pays, perdant à jamais leurs racines. L’humanité évolue techniquement, mais n’a pas toujours le temps de tirer les bonnes conclusions des leçons historiques. Et l’art est parfois confronté à la tâche non seulement de trouver l’inspiration, mais aussi de faire le choix moral le plus difficile.
Vidéo : écoutez « Carmina Burana »
1. Ô Fortune
Ô Fortune,
comme la lune
tu es changeant
toujours en train de créer
ou détruire;
tu perturbes le mouvement de la vie,
alors tu opprimes
alors tu exaltes
et l'esprit n'est pas capable de vous comprendre ;
cette pauvreté
cette puissance -
tout est instable, comme la glace.
Le destin est monstrueux
et vide
la roue tourne depuis la naissance
l'adversité et la maladie,
la prospérité est vaine
et ça ne mène à rien
le destin est sur les talons
secrètement et avec vigilance
derrière tout le monde comme la peste ;
mais sans réfléchir
Je tourne le dos sans protection
à ton mal.
Et en santé,
et en affaires
le destin est toujours contre moi,
incroyable
et détruire
toujours en attente dans les coulisses.
À cette heure,
sans me laisser reprendre mes esprits,
des cordes terribles sonneront ;
empêtré en eux
et chacun est compressé,
et tout le monde pleure avec moi !
"Carmina Burana" est un chef-d'œuvre théâtral unique, intéressant et à juste titre populaire. Les « Chansons de Boyern » (c'est la traduction des mots « Carmina Burana ») sont un monument de l'art profane de la Renaissance. Collection manuscrite d'intérêt y Carl Orff, a été compilé au XIIIe siècle et découvert au début du XIXe siècle dans un monastère bavarois. Fondamentalement, ce sont des poèmes de poètes et de musiciens errants ov, les soi-disant vagabonds, goliards, minnesingers. Les sujets de la collection sont très divers. Parodie et satire cohabitent ici Des chansons iques, d'amour, à boire. Parmi ceux-ci, Orff a choisi 24 textes poétiques, les laissant intacts mi vieil allemand et latin, et les a adaptés pour un grand orchestre moderne, des solistes vocaux et un chœur.
Carl Orff (1895 - 1982) est un compositeur allemand exceptionnel qui est entré dans l'histoire comme un réformateur audacieux des genres traditionnels. Il a vu la tâche principale dans la création de nouvelles formes scéniques. Des expériences et des recherches l'ont conduit au théâtre dramatique moderne, ainsi qu'aux pièces de mystère, aux spectacles de carnaval, au théâtre populaire de rue et à la comédie italienne des masques.
"Carmina Burana" a été jouée pour la première fois en juin 1937 à Francfort-sur-le-Main, déclenchant une procession triomphale dans toute l'Europe. Elle reste pendant de nombreuses années l’une des œuvres les plus populaires du répertoire mondial. Le plus souvent, l'œuvre est présentée au spectateur lors d'un concert ou sous la forme d'un ballet sans intrigue interprété sur une bande sonore.
Première du ballet « Carmina Burana » à Kazan
Le soir, estrade devant le Théâtre d'Opéra et de Ballet. M. Jalil est plein de monde - le festival international de ballet nommé d'après Rudolf Noureev a lieu au théâtre. La première, qui a ouvert le forum du ballet, s'est avérée quelque peu inhabituelle: le public s'est vu proposer une pièce mystérieuse.
Des vagabonds
Après la troisième cloche, il n'y avait plus aucun endroit où tomber une pomme dans la salle - même le dernier étage était bondé, d'où la vue sur la scène n'était en aucun cas idéale. Il y avait aussi des gens qui se tenaient derrière ceux qui étaient assis sur les gradins : c'était le public qui entrait dans la salle avec des billets d'entrée sans place. Le début du festival et la première - comment pouvez-vous manquer cela ? Au cours des trois dernières décennies, le public de Kazan s'est habitué à aller au théâtre.
La première a été programmée pour coïncider avec le début du festival : un ballet spécialement créé pour le théâtre de Kazan sur la musique de Carl Orff, « Carmina Burana ou la Roue de la Fortune ». La mise en scène a été réalisée par le chorégraphe de Saint-Pétersbourg Alexander Polubentsev.
La cantate symphonique de Carl Orff, écrite pour chœur, solistes et orchestre, est devenue l'un des numéros les plus marquants du concert de gala du Festival Chaliapine. Cette fois, le texte musical d'Orff est devenu la base du ballet.
« Ma performance n’est pas un ballet au sens habituel du terme. C’est un mystère, une action scénique qui combine musique, paroles, voix et séquences vidéo.», précise le réalisateur. Il n’écrit pas spécifiquement de livret ; son idéal est un spectateur réfléchi capable de co-créer.
Pour écrire cette cantate symphoniqueL'exploit de Carl Orffcas : dans un magasin d'antiquités de sa Munich natale, il tombe sur une rareté bibliographique. Leurs chansons sont devenues le texte de la cantate.
Chansons- collection de vagabonds- complètement différent : drôle, triste, philosophique, brut et sophistiqué.
Les vicissitudes du destin
Le spectacle commence par le bruit des vagues et les cris des mouettes, comme si une fenêtre s'ouvrait légèrement et qu'une brise semblait s'engouffrer dans la salle. Mais maintenant, le prologue choral « Oh, Fortune, Mistress of Fates » entre avec puissance. La fortune, le destin à deux faces, le sort d'une personne spécifique et de nations entières, d'étranges rebondissements de l'histoire - c'est ce qui est devenu la base du spectacle.
Les téléspectateurs interpréteront probablement chaque épisode à leur manière, et c'est intéressant. La roue de la Fortune tourne, rien n'est permanent - le destin élève une personne à des hauteurs transcendantales, puis la jette au sol, puis lui sourit à nouveau et commence à la soulever.
Une scène lumineuse et pastorale dans laquelle dansent de jolis couples, joyeux et insouciants. Les filles jettent des couronnes dans l’eau de la rivière, la prospérité règne dans le monde, c’est comme le printemps éternel sur terre. Je veux juste dire : « La source sacrée ». Mais peu à peu, l'image du monde change, des tentations pécheresses surgissent et soudain nous voyons sur scène une étrange créature tremblante en culotte et une casquette à haute couronne - un dictateur. Il y a une séquence vidéo terrible : le Führer devient fou, les gens meurent. C’est ainsi qu’un jour la roue de la Fortune tourna pour l’humanité.
La fortune (Alina Steinberg) a deux visages. Et on ne sait pas comment elle, si changeante, se tournera vers nous. Mais le Tentateur (cette partie vocale est interprétée par le baryton Yuri Ivshin) est équilibré par des anges (un choeur d'enfants touchant), le Vagabond (Nurlan Kanetov) n'aura pas peur du dictateur (Maxim Potseluiko) et de la mariée (Kristina Andreeva) trouvera un marié.
Le chagrin se transforme en joie, la joie cède la place à la déception, il n’y a pas de bonheur absolu ni de malheur absolu, car le monde change constamment, à chaque seconde. Et tous ces hauts et ces bas sont surveillés par une chorale, symbole de l'humanité.
PourDirecteur Polubentsevdans cette œuvre le mystère est plus important, c'est un spectacle de rue, c'est plus agréable et plus proche de la réalisation de l'idée que le ballet.
L'action est structurée comme si nous regardions des images fixes d'un film, et cette séquence vidéo (la scénographie de la pièce a été réalisée par Maria Smirnova-Nesvitskaya, le maître de l'éclairage était Sergey Shevchenko) s'est avérée presque parfaite.
Casting: soprano, ténor, baryton, sommités du chœur (2 ténors, baryton, 2 basses), grand chœur, chœur de chambre, chœur de garçons, orchestre.
Histoire de la création
En 1934, Orff découvre par hasard un catalogue d'antiquités de Würzburg. Il y trouva le titre « Carmina Burana, chants et poèmes latins et allemands du manuscrit Benoît-Bewern du XIIIe siècle, publié par I. A. Schmeller ». Ce manuscrit sans titre, rédigé vers 1300, se trouvait à Munich, dans la bibliothèque de la cour royale, dont Johann Andreas Schmeller était le gardien au milieu du XIXe siècle. Il l'a publié en 1847, lui donnant le titre latin Carmina Burana, qui signifie « Chants de Beuern », d'après le site de sa découverte au début du XIXe siècle dans un monastère bénédictin au pied des Alpes bavaroises. Le livre fut très populaire et connut 4 éditions en moins de 60 ans.
Le titre « a attiré mon attention grâce à son pouvoir magique », se souvient Orff. Sur la première page du livre se trouvait une miniature représentant la roue de la Fortune, au centre se trouvait la déesse de la chance et sur les bords se trouvaient quatre figures humaines avec des inscriptions latines. L'homme au sommet avec un sceptre, couronné d'une couronne, signifie « Je règne » ; à droite, courant après la couronne déchue, « régnait » ; prosterné en bas - «Je suis sans royaume»; à gauche, en montant : « Je régnerai ». Et le premier à être placé fut un poème latin sur la Fortune, changeante comme la lune :
La roue de la fortune ne se lasse pas de tourner :
Je serai renversé des hauteurs, humilié ;
pendant ce temps l'autre se lèvera, se lèvera,
toujours monté vers les hauteurs par la même roue.
Orff imaginera immédiatement une nouvelle œuvre - scène, avec un changement constant d'images lumineuses et contrastées, avec une chorale chantante et dansante. Et cette même nuit, il a esquissé le refrain «Je pleure les blessures que m'a infligées la Fortune», qui est alors devenu le n°2, et le lendemain matin de Pâques, il a esquissé un autre refrain - « Doux printemps bienvenu » (n°5) . La composition de la musique s'est déroulée très rapidement, ne prenant que quelques semaines, et début juin 1934, Carmina Burana était prête. Le compositeur l'a joué au piano pour ses éditeurs, qui ont été ravis de la musique. Cependant, le travail sur la partition ne fut achevé que deux ans plus tard, en août 1936.
Orff a proposé de jouer la cantate au Festival de musique de Berlin l'année suivante, mais a retiré son offre après avoir appris le « verdict destructeur des plus hautes autorités ». Parmi ces autorités se trouvait peut-être le célèbre chef d’orchestre allemand Wilhelm Furtwängler, dont la déclaration était répétée partout : « Si ceci est de la musique, alors je ne sais pas ce qu’est la musique ! Mais ce sont très probablement les hauts gradés du parti nazi qui trouvent sans cesse de nouvelles raisons d’interdire la cantate. Finalement, le directeur de l'opéra de Francfort-sur-le-Main obtint l'autorisation et le 8 juin 1937, la première eut lieu en scénographie. Le succès fut extraordinaire, mais Orff qualifia la victoire de « à la Pyrrhus », car quatre jours plus tard, une commission composée d’importants responsables nazis, ayant visité le spectacle, déclara la cantate « œuvre indésirable ». Et pendant 3 ans, il n'a été joué dans aucune autre ville d'Allemagne.
La collection médiévale Carmina Burana contient plus de 250 textes. Leurs auteurs étaient des poètes célèbres et des moines fugitifs, des étudiants et des érudits qui erraient de ville en ville, de pays en pays (en latin, on les appelait vagantes) et écrivaient dans diverses langues - latin médiéval, allemand ancien, vieux français. Orff considérait leur utilisation comme un moyen « d'évoquer l'âme des mondes anciens, dont le langage était une expression de leur contenu spirituel » ; Il était particulièrement enthousiasmé par « le rythme captivant et le pittoresque des vers, la brièveté mélodieuse et unique du latin ». Le compositeur a sélectionné 24 textes de longueurs variables - d'un vers à plusieurs strophes, variant en genre et en contenu. Rondes printanières, chansons d'amour - sublimes, timides et franchement sensuelles, chansons à boire, satiriques, philosophiquement libres, composent un prologue intitulé « Fortune - Maîtresse du monde » et 3 parties : « Au début du printemps », « Au une Taverne”, “Cour d'Amour” .
Musique
« Carmina Burana » est la composition la plus populaire d'Orff, qu'il considère comme le début de son chemin créatif : « Tout ce que j'ai écrit jusqu'à présent et que vous avez malheureusement publié », a déclaré le compositeur à l'éditeur, « peut être détruit. Mes œuvres rassemblées commencent par « Carmina Burana ». La définition du genre donnée par l'auteur (en latin) est typique d'Orff : des chants profanes pour chanteurs et chœurs accompagnés d'instruments avec performance scénique.
Le chœur du prologue « O Fortuna » contient le grain musical de toute la cantate avec la mélodie, l'harmonie, la texture caractéristiques du compositeur - archaïque et envoûtante - et incarne l'idée principale - sur la toute-puissance du destin :
Ô Fortune,
Ton visage est lunaire
En constante évolution :
Arrive
Descendant
La journée n’est pas sauvée.
Alors tu es méchant
C'est bien
Volonté fantaisiste ;
Et les nobles,
Et insignifiant
Vous modifiez le partage.
La scène lumineuse « Dans la clairière » (n° 6-10), qui conclut la 1ère partie, dépeint l'éveil printanier de la nature et des sentiments amoureux ; la musique est imprégnée de la fraîcheur des chants et des danses folkloriques. Un contraste saisissant est formé par le n° 11, qui ouvre la 2ème partie la plus courte - le grand solo de baryton « Burning from inside » avec le texte d'un fragment de « Confession » du célèbre vagabond Archipitus de Cologne :
Laisse-moi mourir dans la taverne,
mais sur mon lit de mort
sur le poète de l'école
aie pitié, oh mon Dieu !
Il s'agit d'une parodie aux multiples facettes : d'un repentir mourant (avec des tournures du chant médiéval Dies irae - Jour de colère, Jugement dernier), d'un air d'opéra héroïque (avec des notes aiguës et un rythme de marche). Le n°12, solo ténor-altino avec chœur d'hommes « Le cri du cygne rôti » est une autre parodie de lamentations funéraires. N° 14, « Quand nous sommes assis dans une taverne » - le point culminant des réjouissances ; la répétition sans fin d'une ou deux notes naît des répétitions dans le texte (sur 16 mesures, le verbe latin bibet est utilisé 28 fois) :
Les gens, hommes et femmes, boivent,
urbain et rural,
les imbéciles et les sages boivent
les dépensiers et les avares boivent,
La religieuse et la pute boivent
une femme de cent ans boit
un grand-père centenaire boit, -
en un mot, il boit le monde entier !
La 3ème partie est exactement à l’opposé, lumineuse et enthousiaste. 2 solos de soprano : le n° 21, « Sur les gammes infidèles de mon âme », sonnait entièrement pianissimo, et le n° 23, « Mon bien-aimé » - une cadence libre presque sans accompagnement, aux notes extrêmement aiguës, interrompue par un double chœur avec solistes (No. 22) « Un moment agréable arrive », décrivant un plaisir amoureux toujours croissant. Un contraste saisissant apparaît entre le chœur final (n°24) "Blanchefleur et Hélène" - point culminant des réjouissances collectives, et le chœur tragique n°25 - retour du n°1, "O Fortuna", formant un épilogue.
A. Kœnigsberg