Виенската класическа школа е творческо движение, което се развива в Австрия през втората половина на 18-ти – първата четвърт на 19-ти век. Към него принадлежат трима велики композитори - Й. Хайдн, В. А. Моцарт, Л. ван Бетовен. Всеки от тях притежаваше ярка творческа индивидуалност, която определяше общия характер на музиката, избора на жанрове и особеностите на музикалния език. Така в музиката на Хайдн преобладават светли, радостни настроения, водеща роля играят жанровите и битови елементи; Особено изпъква лирико-драматичното начало на Моцарт; Доминиращата черта на музиката на Бетовен е героичният патос на борбата, преодоляването и победата.
Формирането на Виенската класическа школа съвпада с бурното развитие на немското и австрийското просвещение. Немската поезия процъфтява, заражда се художествената критика, силно развита е философията. Най-големите художници и мислители на епохата - Хердер, Гьоте, Шилер, Лесинг, Кант, Хегел - издигнаха нови хуманистични идеали. Много от техните естетически идеали, по-специално лозунгът за свобода и естественост, провъзгласен от Русо, са въплътени в произведенията на композиторите от виенската класическа школа. Творчеството на Бетовен е незаличимо повлияно от идеите на Великата френска революция.
Композиторите на виенската класическа школа наследяват постиженията на т. нар. ранна виенска школа, чиито най-видни представители са Вагензайл, Мон, Муфат, Стартер. Непосредственият предшественик на виенската класическа школа е К. В. Глук. Той започва своята оперна реформа във Виена и в своите парижки опери остава до голяма степен верен на виенската традиция. Глук създава оперно изкуство със световно значение, което оказва влияние върху цялото последващо развитие на европейската опера.
Сред най-важните музикални източници на виенската класическа школа е народната музика. Населението на Австрия беше многонационално. В него освен австрийските немци влизат и унгарци, чехи и словенци, които имат своя уникална музикална култура. Фолклорната музика на всички тези националности е открита във Виена. Композиторите от виенската класическа школа абсорбират елементи от тяхното изкуство, което формира характерен австрийски „сплав“ в творчеството им.
Композиторите на Виенската класическа школа по същество обобщават целия предишен опит на световното музикално изкуство. На тази основа и като запазват доминиращата роля на немските и австрийските национални елементи, те развиват един наистина универсален език. Композиторите от Виенската класическа школа изпълняват стремежите на прогресивните мислители и музиканти от епохата - Хердер, който смята музиката за изкуство на човечеството, Глук, който признава, че би искал да пише музика, разбираема за всички хора.
Музикалният език на композиторите от Виенската класическа школа се отличава с красота, яснота и изразителност. В сравнение с музиката от предкласическия и ранния класически период техният ритъм е по-естествен, спокоен, разнообразен и характерен. Една от важните нови характеристики на музикалния език на представителите на виенската класическа школа е ясното разделение на музикалната тъкан или сравнително кратки конструкции, строги изразителни клетки, които съответстват на различен структурен принцип.
Виенската класическа школа донесе със себе си огромно обогатяване на хармонията. Ако техните предшественици са използвали предимно акорди на трите основни функции, то представителите на виенската класическа школа широко използват други съзвучия на мажорните и минорните системи, което бележи връщане на нов етап към богатството на хармоничния език на Хендел и Бах. Те използват по-свободно дисонансите и хроматизмите. Тяхното изкуство на модулация достига високо ниво на развитие. Те използват хроматични, енхармонични модулации, неочаквани хармонични обрати, особено чести при късния Хайдн и Моцарт.
Опирайки се на богатствата на народното песенно изкуство, представителите на виенската класическа школа достигат до ново разбиране за мелодията, нейните функции и възможности. Именно с периода на виенската класическа школа се свързва утвърждаването на музикалната тема не само като носител на определена изразителност, но и като художествен образ, съдържащ богати потенциални възможности за развитие.
Композиторите на виенската класическа школа постигат най-високо майсторство в областта на тематичното развитие, развитие, използвайки разнообразни техники - смяна на тоналност, хармонизация, ритъм, мелодични елементи и др., но особено характерно за тях е разделението на темата в отделни мотиви, които сами претърпяват различни трансформации и се комбинират помежду си по различни начини.
Основната и най-характерна музикална форма на виенската класическа школа е сонатното алегро. Въпреки че формирането му започва много по-рано, именно композиторите от Виенската класическа школа имат решаващ принос за формирането на сонатното алегро и създават истински класически вид на тази форма. Водещият принцип на създаденото от тях сонатно алегро е контрастът и последващото му смекчаване, водещо до единство.
Сонатното алегро на композиторите от виенската класическа школа е водещият принцип на многочастните инструментални форми. Тяхното творчество развива тип четиричастен сонатно-симфоничен цикъл - с бавна лирична втора част, менует или скерцо като трета част и жив, често рондовиден финал.
Този цикъл е в основата на основните инструментални произведения на композитори от виенската класическа школа - симфонии, различни камерни ансамбли, наречени според техния състав (трио, квартети, квинтети и др.), сонати за солови и акомпанирани инструменти. Само класическият концерт е структуриран като тричастен цикъл – липсват менует и скерцо. Иначе отклоненията от горната схема са рядкост.
Сонатно-симфоничният цикъл, който е логично хармонична и целесъобразна комбинация от части, служи като основа за най-високите постижения на композиторите от виенската класическа школа в областта на инструменталната музика. В тези големи инструментални произведения, изразяващи голямо жизнено съдържание, те се издигат до най-високо ниво на художествено обобщение. В много зрели инструментални произведения на Хайдн, Моцарт и Бетовен една идеологическа концепция определя и тематичните връзки между отделните части.
Мощното развитие на инструменталната музика в творчеството на композиторите от Виенската класическа школа е тясно свързано с развитието на инструментите, изпълнителските ансамбли и асоциации. Най-висшата такава асоциация е симфоничният оркестър, който се формира през този период. Съставът на класическия симфоничен оркестър е създаден през втората половина на 18 век в творчеството на Хайдн. Нито един от инструментите, включени в класическия оркестър, не е нов; Функциите им обаче са променени. Съставът на оркестъра като цяло се стабилизира. Водещо място в оркестъра заемаха цигулката и инструментите от нейното семейство (лък квинтет), духовата група включваше кларинет и валдхорна като равностойни членове. Тромбонът влиза в симфоничния оркестър едва с Петата симфония на Бетовен. С доста голяма струнна група (от 24 до 30 цигулки, 10 до 20 други струнни инструменти) е установен двоен състав от дървени (с изключение на флейтата) и медни инструменти (3-4 рогове са включени само като изключение); Литаврите постоянно се използват като ударни инструменти. Всички инструменти бяха използвани в най-естествените обеми и регистри. Духовите инструменти, които преди това изпълняваха спомагателни функции, се превърнаха в самостоятелна група с характерни темброви възможности.
Художественият стил на класицизма (от латински classicus - „образцов”) възниква през 17 век във Франция. Въз основа на идеите за закономерността и рационалността на световния ред, майсторите на този стил се стремят към ясни и строги форми, хармонични модели и въплъщение на високи морални идеали. Те смятат произведенията на древното изкуство за най-висшите, ненадминати образци на художествено творчество, затова развиват антични сюжети и образи. Класицизмът до голяма степен се противопоставя на барока с неговата страст, променливост и непоследователност, утвърждавайки своите принципи в различни форми на изкуството, включително музиката В операта от 18 век. класицизмът е представен от творчеството на Кристоф Вилибалд Глук, който създава нова интерпретация на този вид музикално-драматично изкуство. Върхът в развитието на музикалния класицизъм е творчеството на Йозеф Хайдн, Волфганг Амадеус Моцарт и Лудвиг ван Бетовен, които работят главно във Виена и формират направление в музикалната култура от втората половина на 18 - началото на 19 век - виенското класически мащаб , Класицизмът в музиката в много отношения не е подобен на класицизма в литературата, театъра или живописта. В музиката е невъзможно да се разчита на древни традиции - те са почти непознати. Освен това съдържанието на музикалните композиции често се свързва със света на човешките чувства, които не подлежат на строгия контрол на ума. Композиторите от Виенската школа обаче създават много хармонична и логична система от правила за изграждане на произведение. Благодарение на такава система най-сложните чувства бяха облечени в ясна и съвършена форма. Страданието и радостта стават за композитора предмет на размисъл, а не опит. И ако в други видове изкуство законите на класицизма още в началото на 19 век. изглеждаше остаряла за мнозина, тогава в музиката системата от жанрове, форми и правила за хармония, разработена от Виенската школа, запазва своето значение и до днес.
КРИСТОФ ВИЛИБАЛД ГЛУК (1714-1787)
От средата на 18 век класицизмът започва да оказва влияние върху развитието на европейската музикална култура. Едно произведение на изкуството трябваше да бъде създадено по строги правила и да решава високи морални проблеми. Италианските operaseria и operabuffa не отговарят на тези изисквания. Появата на операта, основана на художествените принципи на класицизма, се свързва с творчеството на Кристоф Вилибалд Глук.
Композиторът е роден в австрийския град Ерасбах (близо до границата с Чехия) в семейството на лесовъд. Получава музикалното си образование в Прага. пее в църковен хор и изучава теория под ръководството на известни чешки музиканти. По-късно, вече в Милано, Глук се запознава с италианската музика. Тук той взема уроци от известния композитор и органист Джовани Батиста Самартини (около 1700-1775); Именно Саммартини го научи как да владее брилянтно оркестъра. В Италия Глук композира първите си опери (те са написани в жанра operaseria). По време на престоя си в Лондон (1745 г.) Глук се запознава с Хендел и музиката на немския майстор му прави огромно впечатление. Като част от оперната трупа композиторът посети много европейски градове. Накрая, през 1752 г. той се установява във Виена, а през 1754 г. получава позицията на придворен композитор.По това време Глук е автор на известни опери, има опит в театъра и има дълбоки познания по италиански, френски и немски оперни традиции. Постепенно композиторът стига до идеята, че операта трябва да бъде променена. Първите опери, създадени според новите правила, са „Орфей и Евридика“ (1762), „Алцест“ (17b7) и „Парис и Елена“ (1770). Глук ги пише по текстове на италианския поет и драматург Раниери да Калцабиджи (1714-1795). Това е първият пример за сътрудничество между музикален автор и либретист в процеса на създаване на опера. Преди това композиторите са писали музика към готови и отделно публикувани либрета. Възгледите на Глук и Калцабиги за сюжета и развитието на действието съвпадат, което прави творческия им съюз плодотворен.
За своите опери Глук по правило избира древни сюжети, които прославят подвизите в името на любовта и изпълнението на дълга. Персонажите в творбите му са обобщени символични фигури, олицетворяващи нравствени понятия – любов, вярност, себеотхвърляне и др. Драматургията на операта ясно изразява връзката с традициите на античния театър – броят на персонажите е минимален, хорът коментира върху това, което се случва. Композиторът обърна основно внимание на словото. Той се стреми да гарантира, че музиката точно изразява духа и настроението на поетичния текст. Речитативите играят важна роля в оперите на Глук; те винаги звучат в съпровода на оркестър (за разлика от secco - речитативите на opeza seria, които бяха придружени от клавесин). Основната мелодична линия се изпълнява в арии; композиторът изоставя виртуозни техники и декорации, които отвличат вниманието на слушателите от съдържанието на текста. Ролята на оркестъра нараства - основните идеи са очертани още в увертюрата.Произведенията на композитора получават признание във Виена, но майсторът се надява да намери пълно разбиране в столицата на Франция и през 1773 г. заминава за Париж. За френската сцена Глук създава нови редакции на „Орфей и Евридика“ и „Алцеста“, пише опери като „Ифигения в Авлида“ (1774; по трагедията на френския поет и драматург Жан Расин) и „Ифигения в Таврида“ “ (1779 .; по трагедията на древногръцкия драматург Еврипид). Оперите на Глук, които имат голям успех в Париж, въпреки това предизвикват ожесточени спорове. Обществото беше разделено на поддръжници на Глук и неговите яростни противници. Композиторът е подкрепен от писателите и философите Дени Дидро и Жан-Жак Русо. Мнозина обаче се противопоставиха на нововъведенията - те защитаваха традиционните принципи на френската опера в духа на Люли и Рамо и италианската опера серия. Противниците на Глук дори привикват известния италиански композитор Николо Пичини в Париж през 1776 г. и постигат постановката на неговите опери. Така наречената „война на глукистите и пичинистите“ пламна, което предизвика много спорове в парижкото общество. Това, което привлича творбите на Глук, е яснотата на драматичното развитие, целостта на образите, класическата строгост и изразителност на музиката, естествеността и красотата на мелодиите, благородството на чувствата на героите. Творческите принципи на композитора спечелиха много привърженици, но никой от тях не притежаваше същия блестящ талант, така че опитът на виенския майстор може да се счита за уникален и няма пряко продължение. Въпреки това много музиканти, по-специално немският композитор Рихард Вагнер, се обърнаха към идеята за водещата роля на поетичния текст.
ЙОСИФ ХАЙДН (1732-1809)
За музиката на Йозеф Хайдн, един от основателите на виенската класическа школа, неговият приятел и по-млад съвременник Волфганг Амадеус Моцарт пише: „Никой не е в състояние да направи всичко: шега и шок, предизвиква смях и дълбоко докосване, и всичко е еднакво добре, че Хайдн може да направи това." Творчеството на Хайдн е свързано с разцвета на такива жанрове като симфонията (той имаше сто и четири от тях, без да броим изгубените), струнния квартет (осемдесет и три), сонатата за клавиатура (петдесет и две); Композиторът обръща голямо внимание на концерти за различни инструменти, камерни ансамбли и духовна музика.
През 1761 г. Хайдн постъпва на служба при богатите унгарски принцове Естерхази и прекарва почти тридесет години в двора им като композитор и водач на параклиса. През 1790 г. параклисът е разпуснат, но Хайдн запазва заплатата си и позицията на диригент. Това дава възможност на майстора да се установи във Виена, да пътува и да изнася концерти. През 90-те години Хайдн живее дълго време и работи плодотворно в Лондон. Той спечели европейска слава, творчеството му беше високо оценено от съвременниците му - композиторът стана собственик на много почетни степени и звания. Йозеф Хайдн често е наричан "бащата" на симфонията. Именно в неговото творчество симфонията става водещ жанр на инструменталната музика.
В симфониите на Хайдн е интересно развитието на основните теми. Провеждайки мелодия в различни тонове и регистри, придавайки й едно или друго настроение, композиторът открива нейните скрити възможности, разкрива вътрешните противоречия: мелодията или се трансформира, или се връща към първоначалното си състояние. Хайдн имаше фино чувство за хумор и тази личностна черта беше отразена в музиката му. В много симфонии ритъмът на третата част - менуетът - е арогантно тежък, сякаш авторът се опитва да изобрази тромавите опити на обикновен човек да повтори елегантните движения на галантен танц. Деветдесет и четвъртата симфония (1791) е остроумна. В средата на втората част, когато музиката звучи спокойно и тихо, внезапно се чуват удари на тимпани - така че слушателите "да не скучаят". Неслучайно произведението е наречено „С бойните тимпани или изненада“. Хайдн често използва техниката на звукоподражание (птици пеят, мечка се скита през гората и др.). В симфониите си композиторът често се обръща към родни теми, предимно славянски - словашки и хърватски.
 | Автограф от партитурата на симфонията на Йозеф Хайдн. |
За формирането на стабилен състав на симфоничния оркестър са заслуги представители на Виенската класическа школа и преди всичко Хайдн. Преди това композиторите се задоволяваха само с онези инструменти, които бяха налични в момента. Появата на стабилен оркестър е ясен белег на класицизма. По този начин звукът на музикалните инструменти беше въведен в строга система, която се подчиняваше на правилата за инструменти. Тези правила се основават на познаването на възможностите на инструментите и предполагат, че звукът на всеки от тях не е самоцел, а средство за изразяване на определена идея. Стабилният състав придаваше солиден, хомогенен звук на оркестъра. В допълнение към инструменталната музика, Хайдн обръща внимание на операта и духовните произведения (той създава редица меси под влиянието на Хендел) и се обръща към ораториалния жанр („Сътворението на света“, 1798; „Годишните времена“, 1801).
СИМФОНИЯ
Най-сложната форма на инструментална музика е симфонията (на гръцки „съзвучие“). Предназначена е за изпълнение от симфоничен оркестър. Възможностите на този жанр са големи: той ви позволява да изразявате философски и морални идеи чрез музикални средства, да говорите за чувства и преживявания. Жанрът се формира в средата на 18 век в творчеството на представители на виенската класическа школа. Композиторите разработиха национален симфоничен цикъл от четири части, които се различават по естеството на музиката, темпото и методите на развитие на темата. Първата част, изградена в сонатна форма и изпълнявана обикновено в бързо темпо, е изпълнена с драматично съдържание. Понякога се предшества от бавно въведение. Втората част е бавна, съзерцателна; това е лирическият център на композицията. Третият е в контраст с втория: активната музика на живо е или танцова, или хумористична. До началото на 19в. композиторите са използвали формата на менует (фр. menuet, от меню - „малък“), обичайна салонна тания от 18 век. По-късно менуетът е заменен от скерцо (от Ig. scherzo - „шега“) - това е името на малки вокални или инструментални произведения, бързо в темпо и хумористично по съдържание. Четвъртата, обикновено бърза, част е финалът на симфонията; тук се обобщава развитието на темите и образите на творбата.
СОНАТНА ФОРМА
Една от най-сложните и богати на съдържание музикални форми, сонатата, започва да се оформя през първата половина на 18 век. и намира своята окончателна форма през втората половина на века в творчеството на композитори от виенската класическа школа. Сонатната форма е принципът на представяне на музикалния материал. Не става въпрос за механично редуване на части и раздели, а за взаимодействие на теми и художествени образи. Темите – главни и второстепенни – са или противопоставени една на друга, или се допълват. Разработването на темите преминава през три етапа – изложение, развитие и рекапитулация. Темите възникват в експозицията (от френския expose - „представяне“). Основният звучи в основния ключ (който определя името на тоналността на цялата композиция, например Симфония в C мажор), вторичният обикновено се представя в различен ключ - възниква контраст между темите. Работи се по-нататъшно развитие на темите. Те могат да влязат в остро взаимно противоречие. Понякога единият потиска другия или, обратно, отива в сянка, оставяйки на „съперника“ пълна свобода на действие. И двете теми могат да се появят в различна светлина, например ще бъдат изпълнени от различен набор от инструменти или могат драматично да променят характера. В репризата (фр. reprise, от reprendre - „възобновяване“, „повтаряне“) темите на пръв поглед се връщат в първоначалното си състояние. Но страничният вече звучи в основната тоналност, като по този начин се обединява с основната. Репризата е резултат от сложен път, по който идват темите, обогатени с опита на изложението и развитието. Резултатите от разработката понякога се консолидират в допълнителен раздел - кола (от думата coda - „опашка“), но не е необходимо. Сонатната форма обикновено се използва в първата част на сонатата и симфонията, както и (с малки промени) във втората част и във финала. СОНАТА Един от основните жанрове на инструменталната музика е соната (италианска соната, от sonare - „да звучи“). Това е многочастно (обикновено три или четири части) произведение; сред композиторите от втората половина на 19 - началото на 20 век. Има и едночастни творби. В творчеството на майсторите на виенската класическа школа сонатата, подобно на симфонията, достига своя връх. За разлика от симфонията, сонатата е предназначена или за един инструмент (обикновено пиано), или за два (единият от които е пиано). Първата част от произведения от този жанр е написана в сонатна форма. Тук са посочени основните музикални теми на произведението. Втората част, обикновено спокойна и бавна, е в рязък контраст с първата. Третият - финалът, изпълнен в бързо темпо - обобщава резултатите и накрая определя общия характер на произведението.
Виенската класическа школа (на немски : Wiener Klassik ) е художествено течение в европейската музикална култура от втората половина на 18-ти – началото на 19-ти век. Представители - Й. Хайдн, В. А. Моцарт, Бетовен. Художествените принципи са представени в музиката от 1780-1810 г., тъй като в ранните творби на Хайдн и Моцарт те едва се оформят, а в по-късните произведения на Бетовен има осезаема близост до романтизма.
Дейността на композиторите на Виенската школа е подготвена от художествения опит на техните предшественици и съвременници, включително италианската и френската оперна и инструментална култура, постиженията на немската музика (Г. Ф. Хендел, Й. С. Бах и неговите синове, школата в Манхайм). Музикалният живот на Виена, най-големият музикален център, и музикалният фолклор на многонационална Австрия изиграха огромна роля за формирането на Виенската школа. Виенската класика е тясно свързана с общия възход на австро-германската култура, с Просвещението в навечерието на Великата френска революция. Творческите идеи на виенските класици са тясно свързани с възгледите на Г. Е. Лесинг, И. Г. Хердер, Й. В. Гьоте, Ф. Шилер, И. Кант, Хегел и с някои разпоредби на френските енциклопедисти.
Изкуството на представители на Виенската школа се характеризира с универсалност на изкуството, мислене, логика и яснота на художествената форма. В творбите им органично се съчетават чувство и интелигентност, трагично и комично, прецизна пресметливост и естественост, лекота на израза. Произведенията на виенските класици изразяват динамично разбиране на жизнените процеси, което намира най-пълното си въплъщение в сонатната форма и определя симфонията на много от техните произведения. Симфонизмът в широк смисъл се свързва с разцвета на водещите инструментални жанрове на епохата - симфония, соната, концерт и камерен ансамбъл, окончателното формиране на 4-частния сонатно-симфоничен цикъл (виж Циклични форми). Музиката на композиторите от Виенската класическа школа е нов етап в развитието на музикалното мислене; Техният музикален език се характеризира с подреденост и централност, съчетани с вътрешно разнообразие и богатство. В творчеството им се формират класически типове музикални структури – период и др.; музикалната тематика е индивидуализирана.
Разцветът на Виенската школа съвпада с общия процес на формиране на симфоничния оркестър - неговия стабилен състав, функционалното определяне на оркестрови групи. Възникват основните класически видове камерни състави - клавирно трио, струнен квартет и др.; Сред музиката за солови инструментали особено се откроява музиката за пиано. Оперното творчество на Моцарт открива широки перспективи за развитието на различни видове опера - лирическа и социално-обвинителна комедия, музикална драма, философска опера-приказка и др. (Сватбата на Фигаро, Дон Жуан, Вълшебната флейта).
Всеки от майсторите на Виенската школа имаше уникална личност. Ако Хайдн и Бетовен бяха по-близо до сферата на инструменталната музика, тогава Моцарт еднакво се показа както в оперните, така и в инструменталните жанрове; Хайдн гравитира повече към фолклорни образи, хумор, шеги, Бетовен - към героика, Моцарт, като универсален художник - към различни нюанси на лирическо преживяване. Творчеството на композиторите от Виенската школа принадлежи към върховете на световната художествена култура и оказва влияние върху по-нататъшното развитие на музиката.
Симфония
Най-сложната форма на инструментална музика е симфонията (на гръцки „съзвучие“). Предназначена е за изпълнение от симфоничен оркестър. Възможностите на този жанр са големи: той ви позволява да изразявате философски и морални идеи чрез музикални средства, да говорите за чувства и преживявания. Жанрът се формира в средата на 18 век в творчеството на представители на виенската класическа школа. Композиторите разработиха сонатно-симфоничен цикъл от четири части, които се различават по естеството на музиката, темпото и методите на развитие на темата. Първата част, изградена в сонатна форма и изпълнявана обикновено в бързо темпо, е изпълнена с драматично съдържание. Понякога се предшества от бавно въведение. Второто движение е бавно и съзерцателно; това е лирическият център на композицията. Третият е в контраст с втория: активната музика на живо е или танцова, или хумористична. До началото на 19в. композиторите са използвали формата на менует (фр. menuet, от меню - „малък, малък“), общ салонен танц от 18 век. По-късно менуетът е заменен от скерцо (от италиански scherzo - „шега“) - така наречените малки вокални или инструментални произведения, бързо в темпо и хумористично по съдържание. Четвъртата, обикновено бърза, част е финалът на симфонията; тук се обобщава развитието на темите и образите на творбата.
Композиторите от Виенската школа придават на симфонията изключителна гъвкавост и способност да въплъщава в обобщена форма различните аспекти на човешкото съществуване. Те създават различни видове симфония - фолклорна, лирико-драматична, героико-драматична, които впоследствие се развиват и обогатяват от композиторите-романтици.
Соната
Един от основните жанрове на инструменталната музика е сонатата (ит. sonata, от sonare – „звучи“). Това е многочастно (обикновено три или четири части) произведение; сред композиторите от втората половина на 19 - началото на 20 век. Има и едночастни творби. В творчеството на майсторите на виенската класическа школа сонатата, подобно на симфонията, достига своя връх. За разлика от симфонията, сонатата е предназначена или за един инструмент (обикновено пиано), или за два (единият от които е пиано). Първата част от произведения от този жанр е написана в сонатна форма. Тук са посочени основните музикални теми на произведението. Втората част, обикновено спокойна и бавна, е в рязък контраст с първата. Третият е финалът, изпълнен в бързо темпо. Той обобщава резултатите и накрая определя общия характер на работата.
Произведението на Моцарт
Волфганг Амадеус Моцарт (1756 - 1791)
австрийски композитор. Имаше феноменален музикален слух и памет.
Изявява се като виртуозен клавесинист, цигулар, органист, диригент, брилянтен
импровизиран. Започва музикалното си обучение под ръководството на баща си Л. Моцарт.
Първите произведения се появяват през 1761 г. От 5-годишна възраст с триумф
гастролира в Германия, Австрия, Франция, Великобритания, Швейцария,
Италия. През 1765 г. първата му симфония е изпълнена в Лондон. През 1770 г. Моцарт някои
прекарва известно време в уроци от J.B. Martini и е избран за член на Филхармонията, академия в
Болоня. През 1769-81 г. (с прекъсвания) е на придворна служба на архиеп.
в Залцбург като корепетитор, а от 1779 г. като органист. През 1781 г. се премества във Виена,
където създава операта „Отвличането от Сераля“. "Сватбата на Фигаро"; извършен в
концерти („академии“). През 1787 г. в Прага Моцарт завършва операта "Дон Жуан",
В същото време той е назначен на длъжността „императорски и кралски
камерен музикант“ в двора на Йосиф II. През 1788 г. създава 3-те най-известни
симфонии: Es-dur, g-moll, C-dur. През 1789 и 1790 г. изнася концерти в
Германия. През 1791 г. Моцарт написва операта „Вълшебната флейта“; работил върху
реквием (завършен от Ф. К. Зюсмайр). Моцарт е един от първите
композитори, избрали несигурния живот на свободен артист.
Моцарт, наред с И. Хайдн и Л. Бетовен, е представител на виенското
класическа школа, един от основателите на класическия стил в музиката,
свързано с развитието на симфонизма като най-висш тип музикално мислене,
пълна система от класически инструментални жанрове (симфония, соната,
квартет), класическите норми на музикалния език, неговата функционалност
организации. В творчеството на Моцарт идеята придобива универсално значение
динамичната хармония като принцип на виждане на света, метод на изкуството
преобразуване на действителността, В същото време те откриха в него развитието на качествата на нов
за онова време психологическа правдивост и естественост. Отражение
комбинират се хармонична цялост на битието, яснота, светлост и красота
в музиката на Моцарт с дълбок драматизъм. Възвишеното и обикновеното, трагичното
и комичен, величествен и грациозен, вечен и преходен,
универсални и индивидуално уникални, национално характерни
се появяват в произведенията на Моцарт в динамичен баланс и единство. В центъра
Художественият свят на Моцарт – човешката личност, която той разкрива
като лирик и същевременно като драматург, стремящ се към художествен
пресъздаване на обективната същност на човешкия характер. Драматургията на Моцарт
се основава на разкриването на многостранността на контрастиращите музикални образи в
процеса на тяхното взаимодействие.
Музиката на Моцарт органично въплъщава художественото преживяване на различни епохи,
национални училища, традиции в народното творчество. Имаше страхотно въздействие
Италиански композитори от 18 век, представители на училището в Манхайм и
също старши съвременници И. Хайдн, М. Хайдн, К. В. Глук, И. К. и К. Ф. Е.
Бахи. Моцарт се ръководи от системата на типизираното
музикални образи, жанрове, изразни средства, като същевременно ги експонират
индивидуален подбор и преосмисляне.
Стилът на Моцарт се отличава с интонационна изразителност, пластмаса
гъвкавост, кантиленция, богатство, изобретателност на мелодията,
взаимопроникване на вокални и инструментални начала. Моцарт е допринесъл изключително много
принос в развитието на сонатната форма и сонатно-симфоничния цикъл. Моцарт
характеризиращ се с повишено чувство за тонално-хармонична семантика,
изразителни възможности за хармония (използване на минор, хроматизъм,
прекъснати революции и др.). Текстурата на произведенията на Моцарт е различна
разнообразие от комбинации от хомофонно-хармоничен и полифоничен характер,
форми на техния синтез. В областта на инструмента, класически баланс
композициите се допълват от търсене на различни комбинации от тембри,
персонализирана интерпретация на тембри.
Моцарт създава Св. 600 произведения от различни жанрове. Най-важната област от него
творчество - музикален театър. Творчеството на Моцарт представлява епоха в развитието
опери. Моцарт владее почти всички съвременни оперни жанрове. За неговия
зрелите опери се характеризират с органично единство на драма и музика
симфонични модели, индивидуалност на драмата. Имайки предвид опита
Глук, Моцарт създава свой собствен тип героична драма в Идоменей и Сватбата
Фигаро". Въз основа на опера-буфа той стигна до реалистична музикална комедия
герои. Моцарт превърна Зингшпил във философска приказка-притча,
пропити с образователни идеи (“Вълшебната флейта”). Универсалност
контрасти, драматургията се отличава с необичаен синтез на оперни жанрови форми
опера "Дон Жуан".
Водещите жанрове в инструменталната музика на Моцарт са симфониите и камерните ансамбли.
концерти. Симфониите на Моцарт от довенския период са близки до ежедневието и забавлението
музика от онова време. В зрелите му години симфонията придобива значение от Моцарт
концептуален жанр, се развива като произведение с индивидуал
драматургия (симфония D-dur, Es-dur, g-moll. C-dur). Симфониите на Моцарт - важно
етап в историята на световната симфония. Сред камерно-инструменталните
ансамблите се отличават със своето значение: струнни квартети и квинтети, цигулка и
сонати за пиано. Фокусирайки се върху постиженията на И. Хайдн, Моцарт развива
вид камерен инструментален ансамбъл, отличаващ се с изтънчеността на лир
философска емоция, развита хомофонично-полифонична природа, сложност
хармония на езика.
Клавирната музика на Моцарт отразява характеристиките на нов изпълнителски стил,
свързано с прехода от клавесин към пиано. Работи за клавира,
главно концертите за пиано и оркестър дават представа за
изпълнителско изкуство на самия Моцарт с неговия характерен брилянт
виртуозност и същевременно одухотвореност, поетичност, изящество.
Моцарт притежава голям брой произведения от други жанрове, включително песни,
арии, битова музика за оркестри и ансамбли. От по-късните проби най-много
известната "Малка нощна серенада" (1787). Хоровата музика на Моцарт включва
меси, литании, вечерня, офертории, мотети, кантати. оратории и др.: сред
изключителни творби: мотет “Ave verum corpus”, реквием.
Есета:
опери - духовен зингшпил (сценична оратория) Задължението на първата заповед (Die
Schuldigkeit des ersten Gebotes, 1-ва част от колективно произведение, 1767 г.,
Залцбург), училищна опера (латинска комедия) Аполон и Хиацинт, или
Метаморфоза на зюмбюл (Apollo et Hyacintus, seu Hyacinthi Metamorphosis,
либрето от П. Видл по Метаморфозите на Овидий, 1767 г., Залцбургски университет);
Виенска класика
Честно казано, по-често се чува за виенски валс или се чете за съществуването на виенски столове, отколкото за виенска класика. Кои са те?
Йозеф Хайдн, Волфганг Амадеус Моцарт, Лудвиг ван Бетовен.
Тези имена са добре известни. Трябва ли да кажем „виенски класически Моцарт“?
Не, просто класика.
Защо виенски?
Тъй като основните периоди на творчество на виенските класици са свързани с Виена и попадат в една епоха: втората половина на 18-ти - първата четвърт на 19-ти век.
Това ли ги обединява?
Да, но принадлежността към град не е паспортна регистрация. Това е остра духовна потребност да живееш в него, да общуваш с обитателите му, да консумираш и увеличаваш културата и изкуството му. Собствеността на големите културни центрове е да привличат артисти. Това създава специална среда за размножаване на таланти, които се учат един от друг и се състезават. Очертава се високо ниво на артистичност.
Защо Виена и точно в тази епоха се оказва толкова духовно богат град?
Виена е една от перлите на Европа. Разположен на важен търговски път между Балтика и Централна Европа, свързващ ги със Средиземно море, той е космополитен, приветлив и необикновено красив. Архитектурната му красота се простира върху целия му начин на живот. Виена е известна с производството на най-красивите предмети за бита – мебели, гоблени, дрехи, обувки и др. Излишно е да говорим как красотата, която ни заобикаля, влияе благотворно на хората, особено на тези с артистична натура.
Явно музиката се справя добре в този град?
Между другото, не е толкова лесно да се различи Моцарт от Хайдн на ухо. И като цяло, когато слушате музиката от онова време, винаги си мислите, че това е Моцарт. И тогава обявяват: ту Хайдн, ту Паисиело, ту Бортнянски, ту Мисливечек.
Честно казано, често се бъркаме в музиката от други епохи. Не можем да различим Бах от Хендел, Лист от Шопен, Прокофиев от Барток. Но това наблюдение е правилно. Моцарт наистина е централната фигура на 18 век. И в същото време, тогава, може би, композиторът се интересуваше по-малко от индивидуалността на стила.
Как се различават един от друг Хайдн, Моцарт и Бетовен?
Нека сами да го разкажат с музиката си. Който има уши, нека чуе. Вижте техните симфонии, например. Вярно, Хайдн има 104 от тях, Моцарт има 41, а Бетовен има 9, не е толкова лесно да ги разпознаете и не всички са необходими. Но след като слушате поне десет произведения от всеки от тези композитори, нека да са сонати, квартети, инструментални концерти, меси, ще започнете да ги различавате на ухо.
Ами оперите и балетите?
Има по един балет от Бетовен ("Произведенията на Прометей") и от Моцарт ("Дранкулки"). По това време балетният жанр не е толкова развит, колкото век по-късно. Всеки от виенските класици има опери, но те заемат различно място в творчеството си.
Никога не съм чувал фразата "опера на Хайдн". Обикновено симфония, соната, квартет.
Той обаче написва 24 опери, въпреки че се изпълняват изключително рядко. Хайдн пише опери за камерния театър на принц Естерхази и те не са включени в общоевропейския репертоар. Моцарт е друга работа. Той също има много опери (17) и не всички от тях са оцелели, но сред тях Дон Жуан, Сватбата на Фигаро, Вълшебната флейта, Отвличането от Сераляи други, също популярни.
Ами Бетовен?
Той има едно „дете“ в този жанр - героична опера Фиделио. Той мъчително я пише и преработва, но тя влиза в световната оперна съкровищница.
Това означава, че все пак виенските класици са писали предимно инструментална музика. С какво е свързано това?
По това време инструментацията и съответно оркестърът са се подобрили, изкристализирали са много музикални форми, които те широко използват, подобряват и развиват. Формите на сонатното алегро (вижте статиите Алегро и Соната), вариациите, рондото и др. са универсални и обемни схеми, еднакво подходящи за безгрижна пасторална и страстна романтична експлозия от чувства, нежна лирика и смела героика. И всеки от тези велики майстори владееше цялата „палитра“, но, разбира се, имаше своите любими сфери: Хайдн - жанрово-танцов, комичен, Моцарт - лирико-драматичен, Бетовен - героичен.
И накрая, философията и мирогледът на Просвещението и Великата френска революция пораждат рационализма, вярата в просвещението и цивилизацията, в доброто и хуманизма. Всичко това беше въплътено в хармоничната красота на музиката, лаконизма, яснотата и простотата на мелодията, в прецизността и логиката на цялата музикална структура.
Всичко, което споменахте, е характерно за класицизма като стил в изкуството. Тези композитори класици ли са или класицисти?
И двете. Класика, защото музиката им е останала през вековете. Класицистите, тъй като те не биха могли да бъдат различни в тази епоха, те със сигурност са били повлияни от философията на теоретика на класицизма Г. Е. Лесинг. Но в същото време се появи течение Щурм и Дранг(Sturm und Drang), начело с философа Й. Г. Хердер. Той взриви хармонията на класицизма, подготвяйки романтизма.
Може ли накратко да се формулира каква е същността на творчеството на виенските класици?
Факт е, че след като са избрали интонация, хармония, форма и дори образи от общата съкровищница на музикалния стил на своята епоха, всеки от тях е останал уникална индивидуалност, без да иска да се вписва в никакви схеми, колкото и удобно да е за потомците да ги поставят всички „на рафтовете“.
М. Г. Рицарева
Моцарт – представител на Виенската класическа школа
Основан е в Австрия в края на 18 - началото на 19 век. С него се свързват трима велики композитори - Хайдн, Бетовен и Моцарт, всеки от които е имал ярка творческа индивидуалност.
Музиката се отличава със светло, радостно настроение - лирично и драматично. предпочиташе героичния патос на борбата, преодоляването, победата и беше голям фен на инструменталната музика. Дълги години работи върху създаването на единствената си опера „Фиделио“.
Хайдн се опитва в различни жанрове, но постига най-голям успех в областта на инструменталната музика и ораторията („Създаването на света“, „Годишните времена“).
Операта беше близка до Моцарт.
При цялата индивидуалност на всеки композитор се разкриват техните общи черти: реализъм, оптимистичен, жизнеутвърждаващ характер, истинска националност, демокрация. В творбите им хармонично се съчетават трагичното с комичното, свободният полет на фантазията с прецизност, яснота и съвършенство на формата. Те изразяваха дори най-сложното съдържание на прост, разбираем език.
По това време немската поезия също изживява своя разцвет. Най-добрите мислители и художници от онази епоха излагат нови хуманистични идеали. Много от тези идеали са въплътени в произведенията на композиторите от Виенската класическа школа.
Моцарт често посещава Италия, за да изучава италианска инструментална музика. Тъй като населението на Австрия е многонационално, училището включва не само австрийски немци, но и унгарци, чехи и словенци, които имат оригинална народна култура. Хайдн усвоява тези елементи от народното изкуство и по-късно ги отразява в своите писания. Моцарт по-рядко използва народни мелодии, но често можем да видим техния дух и характер в оперите („Вълшебната флейта“, „Дон Жуан“). Бетовен проявява най-голям интерес към народното изкуство.
Композиторите разработиха универсален език на световното музикално изкуство. Хайдн пише: „Моят език се разбира в целия свят“, той се характеризира с простота, яснота и изразителност. Композиторите на Виенската класическа школа, черпейки от богатството на народното песенно изкуство, стигнаха до разбиране за новата мелодична музика. Появата на тази нова мелодия придобива „лицето” на композицията.
Основната форма за Виенската класическа школа е сонатното алегро. Развитието на инструменталната музика в творчеството на композитора е тясно свързано с развитието на инструментариума на изпълнителските ансамбли и сдружения. Такова сдружение е симфоничният оркестър, създаден през втората половина на 18 век. Нито един инструмент, който беше част от симфоничния оркестър, не беше нов - само функциите му се промениха.
В областта на операта се отличават значителните постижения на Моцарт и Бетовен. Трите най-значими опери на Моцарт - "Сватбата на Фигаро", "Дон Жуан" и "Вълшебната флейта" - поставиха основата за развитието на различни видове класическа опера. Развитието на жанра на ораториите на Хайдн "Сътворението на света" и "Годишните времена" увенчава творчеството му.
Наследството на Виенските трима композитори представлява един от върховете на световното музикално изкуство. Той оказа огромно влияние върху цялото последващо развитие на класическата музика. Произведенията на композиторите от Виенската класическа школа все още остават ненадминат образец.